{"id":729,"date":"2018-05-07T15:56:04","date_gmt":"2018-05-07T15:56:04","guid":{"rendered":"http:\/\/tutudaju.com\/?p=729"},"modified":"2021-09-22T12:51:30","modified_gmt":"2021-09-22T12:51:30","slug":"ballet-de-repertorio","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/tutudaju.com\/ballet-de-repertorio\/","title":{"rendered":"Ballet de Repert\u00f3rio – A hist\u00f3ria por tr\u00e1s da cria\u00e7\u00e3o de cada um"},"content":{"rendered":"

Ol\u00e1 bailarinas e bailarinos que acompanham o Tutu da Ju!<\/p>\n

O post de hoje vai ser sobre Ballet de Repert\u00f3rio, contando um pouco do que \u00e9 e de como ele surgiu.<\/p>\n

Eu j\u00e1 contei em um post anterior sobre a hist\u00f3ria do ballet<\/a> desde os prim\u00f3rdios at\u00e9 o s\u00e9culo XX, ent\u00e3o pulemos essa parte para que o post n\u00e3o fique maior do que j\u00e1 est\u00e1.<\/p>\n

Sabemos que os ballets de repert\u00f3rio datam em sua maioria dos anos 1800 e que s\u00e3o dan\u00e7ados at\u00e9 hoje por diversas companhias em diversas vers\u00f5es, mas vcs sabem qual foi o primeiro ballet repert\u00f3rio? Como isso come\u00e7ou e quem come\u00e7ou a idealiz\u00e1-los? \u00c9 sobre isso que vamos falar aqui! Contando quando cada ballet de repert\u00f3rio foi criado e n\u00e3o falaremos aqui sobre qual \u00e9 o enredo de cada um.<\/strong> Deixemos isso para posts posteriores.<\/p>\n

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Foi no s\u00e9culo XVIII, ap\u00f3s termos come\u00e7ado a formalizar grande parte da terminologia especializada para os saltos, giros, posi\u00e7\u00f5es e outros movimentos associados ao ballet, que se come\u00e7a a surgir o que se conhece por ballet de repert\u00f3rio. A Fran\u00e7a tinha se tornado o centro predominante para o ballet. A terminologia francesa tornou-se a forma padr\u00e3o. Assim, o s\u00e9culo XVIII padronizou termos como “pas de deux”, “pirouette”, “entrechats”, “fondue”, “fouett\u00e9”, “jet\u00e9”, “pli\u00e9”, “relev\u00e9” e “tomb\u00e9” (isso foi gra\u00e7as a LuisXIV, mas j\u00e1 nos aprofundamos nesse assunto em outro post<\/a>).<\/p>\n

Ent\u00e3o, durante o s\u00e9culo XVIII, houve um afastamento dos “ballets \u00e0 entr\u00e9e” que eram apenas um monte de pe\u00e7as de teatro n\u00e3o relacionadas e muitas vezes presas no meio de uma \u00f3pera e um movimento para o que chamava de ballet de a\u00e7\u00e3o (“ballet d`action”),<\/em> o embri\u00e3o do “Ballet de Repert\u00f3rio”, um ballet unificado que realmente conta uma hist\u00f3ria completa. E em vez de ser apenas fachada para uma \u00f3pera ou alguma outra forma musical, muitas vezes com palavras, os ballets estavam come\u00e7ando a deixar de ser falados.<\/p>\n

Os ballets de repert\u00f3rio podem ser divididos em atos – \u00e9 uma conven\u00e7\u00e3o que significa basicamente uma interrup\u00e7\u00e3o do ballet – e costumam ter a seguinte estrutura: coreografias do corpo de baile (que s\u00e3o os bailarinos que dan\u00e7am em conjunto), as varia\u00e7\u00f5es das solitas, as varia\u00e7\u00f5es dos primeiros bailarinos (quem interpretam e dan\u00e7am os pap\u00e9is principais do ballet) e os pas de deux<\/em> e grand pas de deux<\/em>.<\/p>\n

Dois mestres de ballet rivais ajudaram a defender o“ballet d`action”<\/em> nos anos 1750 e 60, Gaspero Angiolini e Jean-Georges Noverre. Eles discutiram \u00e0s vezes sobre quem pensou nisso primeiro, mas na verdade foi a duquesa do Maine. Mas de qualquer forma foram os dois que desenvolveram o“ballet d`action”<\/em>.<\/em><\/p>\n

Noverre<\/a> foi um dos grandes por ajudar a simplificar trajes de dan\u00e7a. Ele disse que os dan\u00e7arinos deveriam se livrar de saias volumosas, sapatos com saltos e fivelas grandes e qualquer outra coisa que atrapalhasse a express\u00e3o do movimento f\u00edsico.\u00a0Na d\u00e9cada de 1770, os dan\u00e7arinos deixaram de usar m\u00e1scaras e perucas, seus trajes tornaram-se muito menos pesados e extravagantes, as saias mais curtas e mais soltas, e sobre todas as coisas pareciam muito bem com os ballets “antiquados” de hoje.<\/p>\n

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Ent\u00e3o, em 1789, mesmo ano de in\u00edcio da Revolu\u00e7\u00e3o Francesa, temos a estreia do Primeiro Ballet de Repert\u00f3rio: “La File Mal Gard\u00e9e<\/em><\/strong>“. Este ballet foi produzido e coreografado por Jean Dauberval, um core\u00f3grafo importante do s\u00e9culo XVIII, que foi aluno de Noverre (na Hist\u00f3ria tudo se conecta e isso \u00e9 incr\u00edvel!!!). Este ballet, que foi o primeiro ballet de repert\u00f3rio da hist\u00f3ria, foi um ballet pr\u00e9-rom\u00e2ntico que Jean Dauberval aproveita das li\u00e7\u00f5es de seu mestre Noverre para criar uma hist\u00f3ria em que h\u00e1 a identifica\u00e7\u00e3o das classes sociais nos personagens, o uso da pantomima t\u00e3o valorizada por seu mestre e um ballet que conta verdadeiramente uma hist\u00f3ria, que n\u00e3o \u00e9 s\u00f3 uma sequencia de passos de dan\u00e7as. Al\u00e9m disso, todos os personagens participam do enredo e se consegue perceber verdadeiramente seu enredo e as emo\u00e7\u00f5es de cada personagens apenas com a coreografia, gestos e express\u00f5es. O ballet passa, ent\u00e3o, a ser uma arte independente das demais e passa a n\u00e3o ter mais can\u00e7\u00f5es e falas como outrora. Al\u00e9m disso, foi no mesmo ano da Revolu\u00e7\u00e3o Francesa (1789), um movimento impulsionado pela burguesia. Esta classe social passa, ent\u00e3o a frenquentar mais ballets (que deixam de ser “coisas da elite”) e passa a se identificar nos personagens das hist\u00f3rias do ballet. Para se aprofundar mais sobre esse ballet, clica nesse link aqui<\/a>, que tem um post aqui no blog super completo sobre ele.<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

A partir de ent\u00e3o, come\u00e7aram a surgir diversos outros ballets de repert\u00f3rio. O ballet que marca o in\u00edcio da Era Rom\u00e2ntica do Ballet foi “La Sylphide<\/em><\/strong>“, concebido e coreografado por\u00a0Philippe Taglioni para sua filha, Marie Taglioni, tendo sua estreia em mar\u00e7o de 1832. Foi o primeiro ballet de repert\u00f3rio a ser dan\u00e7ado nas pontas e que consagrou Marie Taglioni como uma grande bailarina. Infelizmente nem a coreografia nem a m\u00fasica dessa produ\u00e7\u00e3o sobreviveu. A vers\u00e3o que voc\u00ea pode ver dan\u00e7ada hoje \u00e9 do Royal Danish Ballet em 1836, com coreografia de Bournonville. Este ballet tinha criaturas m\u00edticas, que eram as fadas. Posteriormente, quando Marie Taglioni j\u00e1 havia se aposentado, ela come\u00e7ou a treinar outra bailarina para o mesmo papel, Emma Livry, que posteriormente morreu em decorr\u00eancia das queimaduras.<\/p>\n

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O pr\u00f3ximo ballet de repert\u00f3rio foi “Giselle<\/strong>” (na foto acima, eu sou uma das bailarinas, l\u00e1 no fundo), primeiro dan\u00e7ado em 1841, com m\u00fasica de Adolphe Adam e coreografado por Jean Coralli e Jules Perrot. Perrot, ele pr\u00f3prio um excelente dan\u00e7arino rom\u00e2ntico, era casado com a bailarina principal deste ballet, Carlotta Grisi. Este ballet conta com criaturas assombrosas – uma faceta do Romantismo – as Willis, que aparecem no Segundo Ato. Foi tamb\u00e9m este ballet que fez de Carlotta Grisi uma grande estrela da \u00d3pera de Paris e voc\u00eas v\u00e3o ver algumas (muitas) vezes sobre isso aqui ainda. O partner dela foi Lucien Petip\u00e1, o irm\u00e3o mais velho de Marius Petip\u00e1. Para saber mais sobre esse ballet, \u00e9 s\u00f3 clicar aqui<\/a>.<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

Perrot tamb\u00e9m concebeu o ballet “La Esmeralda<\/em><\/strong>“, baseado no romance Notre-Dame de Paris de Victor Hugo, que teve sua estreia em mar\u00e7o de 1844. Carlota Grisi mais uma vez dan\u00e7ou no papel principal, ao lado de Jules Perrot, que era seu marido e core\u00f3grafo do ballet, e tamb\u00e9m Arthur Saint-Leon. Este ballet, como n\u00e3o poderia deixar de ser, tem pitadas de amor ut\u00f3pico e um certo drama, outras caracter\u00edstica do Romantismo.<\/p>\n

Ele teve a sua primeira apresenta\u00e7\u00e3o em Londres, e quem o sugeriu foi Benjamin Lumley, que era diretor do Teatro de Sua Majestade, onde o ballet foi apresentado. Mas, de in\u00edcio Perrot tinha rejeitado a ideia. Lumley conseguiu convenc\u00ea-lo dizendo que seria de alto valor art\u00edstico.<\/p>\n

Esmeralda marca tamb\u00e9m o primeiro trabalho de Perrot junto com Pugni, compositor que at\u00e9 ent\u00e3o era desconhecido.<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

Outra obra coreografada por Jules Perrot foi o “Pas de quatre<\/strong>“,\u00a0<\/em>produzido por Benjamin Lumley e dan\u00e7ado pelas quatro mais famosas bailarinas da \u00e9poca: Marie Taglioni, Carlota Grisi (mais uma vez num ballet de Perrot – que bailarina n\u00e3o gostaria de ter tantos ballets feito especialmente para vc?), Fanny Cerrito e Lucile Grahn.\u00a0Como voc\u00ea pode imaginar, o potencial para confrontos entre egos e rivalidade era grande. As outras tr\u00eas bailarinas concordaram graciosamente que o \u00faltimo solo, o lugar de honra, deveria ir para Taglioni. Mas elas estavam brigando por quem mais deveria dan\u00e7ar por \u00faltimo, pouco antes dela. Lumley resolveu o problema dizendo a Perrot que as dan\u00e7arinas apareceriam por ordem de sua idade, com a mais velha dan\u00e7ando por \u00faltimo. Por alguma raz\u00e3o, todas elas pararam de brigar depois disso.<\/p>\n

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O pr\u00f3ximo ballet de repert\u00f3rio, seguindo a ordem cronol\u00f3gica, foi “Paquita”<\/strong>, com sua estr\u00e9ia na \u00d3pera de Paris em 1 de abril de 1846, criado por Joseph Mazilier e Paul Foucher, com m\u00fasica de \u00c9douard Deldevez e Ludwig Minkus. Mais uma vez tivemos como casal principal Carlotta Grisi e Lucien Petip\u00e1, que interpretou um papel com o mesmo nome que o seu. Paquita<\/i> sempre faz sucesso devido, principalmente, as suas alegres dan\u00e7as espanholas. Em 1847\u00a0Marius Petip\u00e1 criou uma nova vers\u00e3o para\u00a0Paquita<\/i> em Saint-Petersburgo no Teatro Bolshoi Kamenny da R\u00fassia. Nesta vers\u00e3o, o pr\u00f3prio Petip\u00e1 encarou o papel principal de Lucien. Paquita foi o primeiro ballet encenado por Petip\u00e1 na R\u00fassia. O ballet tem muito mais hist\u00f3ria por tr\u00e1s e muitas outras vers\u00f5es. Para saber mais sobre ele, leia esse post aqui.<\/a><\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

Em 23 de janeiro 1856, temos o ballet “O Cors\u00e1rio”<\/strong>, baseado no poema de Lord Byron, com m\u00fasica de Adolphe Adam (com pe\u00e7as adicionais) e coreografias de Marius Petip\u00e1, depois de Joseph Mazilier e Jules Perrot. Essa \u00e9 a vers\u00e3o conhecida hoje que foi criada posteriormente \u00e0 primeira vers\u00e3o russa do ballet e foi dan\u00e7ada primeiro no Teatro Imperial Bolshoi Kamenny (atual Teatro Bolshoi), e foi criado especialmente para a bailarina Ekaterina Friedb\u00fcrg, estrelando tamb\u00e9m o jovem Marius Petip\u00e1 como Conrad. Pouco se sabe que mas Petip\u00e1 come\u00e7ou a idealizar sua vers\u00e3o do ballet nessa \u00e9poca, quando ganhou de Perrot carta branca para coreografar algumas dan\u00e7as, como o “Pas des \u00c9ventails”, do I Ato. Ao longo de sua longa carreira como ma\u00eetre, Petip\u00e1 recriou Le Corsaire<\/i> em quatro ocasi\u00f5es. A primeira, foi um presente \u00e0 sua esposa, a Prima Ballerina Maria Surovshchikova-Petip\u00e1, com o Danseur Cristhian Johansson como Conrad, em 1863. Para essa vers\u00e3o, Petip\u00e1 trabalhou em conjuto com o compositor Cesare Pugni, que revisou a partitura original de Adam e incluiu muito material adicional, comum nas vers\u00f5es atuais do ballet.<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

Tamb\u00e9m coreografado por Petip\u00e1, “A Filha do Fara\u00f3<\/strong>“, foi um ballet criado em 1862 para o Kirov (atual Mariinsky Ballet). Foi um de seus primeiros ballets, mas, com o tempo, ele ficou esquecido. Em 2000, Pierre Lacotte decidiu remont\u00e1-lo e o Bolshoi foi a casa que recebeu a nova coreografia. A Filha do Fara\u00f3 fez grande sucesso na R\u00fassia pelo menos at\u00e9 cinq\u00fcenta anos depois de sua estr\u00e9ia em 1862.
\nMesmo sendo um dos primeiros ballets de repert\u00f3rio de Petip\u00e1, foi retirado dos repert\u00f3rios por determina\u00e7\u00e3o do governo sovi\u00e9tico, que, aparentemente, n\u00e3o gostava de um subtema do ballet: o poder autocr\u00e1tico dos fara\u00f3s.<\/p>\n

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Um outro ballet de Petip\u00e1 foi “Don Quixote<\/strong>“, baseado em epis\u00f3dios retirados do famoso romance “Don Quixote de la Mancha”<\/i>\u00a0de\u00a0Miguel de Cervantes\u00a0.<\/span> A vers\u00e3o mais conhecida foi originalmente coreografado por Marius Petip\u00e1 para a m\u00fasica de Ludwig Minkus e apresentado pela primeira vez pelo Ballet do Teatro Imperial Bolshoi de Moscou, R\u00fassia em 26 de dezembro de 1869. Petip\u00e1 e Minkus revisaram o ballet em um muito mais expandido e edi\u00e7\u00e3o elaborada em cinco atos e onze cenas para o Ballet Imperial , apresentado pela primeira vez em 21 de novembro de 1871 no Teatro Imperial Bolshoi Kamenny de S\u00e3o Petersburgo . <\/span>Todas as produ\u00e7\u00f5es modernas do ballet Petip\u00e1 \/ Minkus s\u00e3o derivadas da vers\u00e3o encenada por Alexander Gorsky para o Teatro Bolshoi de Moscou em 1900, uma produ\u00e7\u00e3o que o mestre de ballet encenou para o Ballet Imperial de S\u00e3o Petersburgo em 1902. O ballet teve outras vers\u00f5es anteriores a Petip\u00e1, mas isso \u00e9 papo para um post futuro.<\/span><\/p>\n

\"Imagem<\/p>\n

O pr\u00f3ximo ballet de repert\u00f3rio (1870) e que tamb\u00e9m veio a se tornar bastante famoso foi “Copp\u00e9lia<\/strong>“, com m\u00fasica de L\u00e9o Delibes e coreografia de Arthur Saint-L\u00e9on. Assim como outros ballets rom\u00e2nticos, tinha elementos m\u00e1gicos, mas n\u00e3o t\u00e3o m\u00f3rbidos quanto “La Sylphide<\/em>” ou “Giselle”. Pelo menos, ningu\u00e9m morre nesta hist\u00f3ria. Baseado num conto do escritor alem\u00e3o E.T.A Hoffmann, Copp\u00e9lia tem personagens que lembram “Pinocchio”.\u00a0\u00a0<\/em>Como t\u00edtulo, Copp\u00e9lia \u00e9 considerado menos estranho do que sua alternativa, “La Fille aux Yeux d’Email<\/em>” (A menina com os olhos de esmalte). Copp\u00e9lia foi um grande sucesso desde a sua estreia, embora tenha come\u00e7ado de forma dif\u00edcil. O libretista, Charles Nuitter, queria a jovem bailarina L\u00e9ontine Beaugard no papel-t\u00edtulo, mas a dire\u00e7\u00e3o do teatro decidiu usar um “nome” e importou a bailarina russa Ad\u00e8le Grantsova. Mas depois que os ensaios se arrastaram por muito tempo, Grantsova foi para casa e o papel foi para a jovem italiana Giuseppina Bozzacchi. Ela estreou o papel em 1870, mas depois a guerra franco-prussiana eclodiu e ela morreu de febre tif\u00f3ide em seu 17\u00ba anivers\u00e1rio, o que dificilmente parece justo. (O pr\u00f3prio Saint-L\u00e9on morreu em seguida de exaust\u00e3o. Mas pelo menos n\u00e3o era seu anivers\u00e1rio) Beaugard teve sua chance no papel em uma nova apresenta\u00e7\u00e3o em 1871 e ela foi um grande sucesso. Clicando aqui<\/a> voc\u00ea pode aprender muito mais sobre esse ballet.<\/p>\n

\"Imagem<\/p>\n

L\u00e9o Delibes tamb\u00e9m escreveu e comp\u00f4s a m\u00fasica de um outro ballet, “Sylvia”\u00a0<\/strong>ou\u00a0“La nymphe de Diane”<\/b>. <\/i>Foi\u00a0primeiro\u00a0coreografado\u00a0por\u00a0Louis M\u00e9rante\u00a0em 1876.\u00a0Sylvia<\/i>\u00a0\u00e9 um ballet cl\u00e1ssico t\u00edpico em muitos aspectos, mas tem muitos caracter\u00edsticas interessantes que o tornam \u00fanico.\u00a0<\/span>Sylvia<\/i>\u00a0\u00e9 not\u00e1vel por seu cen\u00e1rio mitol\u00f3gico da\u00a0Arc\u00e1dia\u00a0, coreografias criativas, conjuntos expansivos e, acima de tudo, sua pontua\u00e7\u00e3o not\u00e1vel.\u00a0<\/span>As origens do ballet est\u00e3o na pe\u00e7a\u00a0Aminta<\/i>\u00a0de\u00a01573, de\u00a0Tasso<\/i>\u00a0, que fornece o enredo b\u00e1sico do trabalho de Delibes.<\/span>\u00a0Jules Barbier\u00a0e\u00a0Baron de Reinach\u00a0adaptaram isso para a\u00a0\u00d3pera de Paris\u00a0.<\/span>\u00a0<\/sup><\/sup>O arranjo para piano foi composto em 1876 e a su\u00edte orquestral foi feita em 1880. <\/sup><\/span>Quando\u00a0Sylvia<\/i>\u00a0estreou na quarta-feira, 14 de junho de 1876, no\u00a0Palais Garnier<\/em>\u00a0, passou quase despercebida.<\/span>\u00a0De fato, as sete primeiras produ\u00e7\u00f5es de\u00a0Sylvia<\/i>\u00a0n\u00e3o tiveram sucesso comercial.<\/span>\u00a0Foi o renascimento de 1952, coreografado por\u00a0Sir Frederick Ashton\u00a0, que popularizou o ballet.<\/span>\u00a0O sucesso de Ashton preparou o palco para as produ\u00e7\u00f5es de 1997, 2004, 2005 e 2009, todas baseadas em sua coreografia de 1952.\u00a0<\/span>Sylvia, ou a ninfa de Diane<\/i>\u00a0, como foi originalmente intitulado, foi o primeiro ballet a ser exibido na rec\u00e9m-constru\u00edda\u00a0\u00d3pera Garnier\u00a0e o fez com extravag\u00e2ncia.<\/span>\u00a0Esta abordagem revelou-se por vezes excessiva.<\/span>\u00a0O cen\u00e1rio luxuoso de\u00a0Jules Ch\u00e9ret\u00a0era pouco iluminado, prejudicando a qualidade da produ\u00e7\u00e3o.<\/span>\u00a0Os trajes desenhados por Lacoste foram bem apreciados, no entanto.<\/span>\u00a0No final, foi a pontua\u00e7\u00e3o de Delibes que salvou a produ\u00e7\u00e3o.<\/span>\u00a0Sem essa m\u00fasica altamente estimada, o ballet logo teria ca\u00eddo na obscuridade.\u00a0<\/span>Aos 27 anos, Rita Sangalli era a principal bailarina da Op\u00e9ra e, portanto, a escolha \u00f3bvia para atuar como Sylvia.<\/span>\u00a0Sangalli foi descrito como tendo um “f\u00edsico excelente”, mas n\u00e3o habilidades de dan\u00e7a espetaculares.<\/span>\u00a0No entanto, ela era a \u00fanica bailarina que ensinava o papel, e em uma ocasi\u00e3o o ballet teve que ser temporariamente fechado quando ela se machucou.<\/span><\/p>\n

No s\u00e9culo XIX o ballet na Fran\u00e7a estava perdendo o seu espa\u00e7o, mas nem tudo estava perdido. Na R\u00fassia, foram tomadas medidas importantes, e ent\u00e3o o compositor Pyotr Tchaikovsky ajudou a salvar o ballet. Foi uma maravilha que Tchaikovsky encontrou tempo para escrever m\u00fasicas para ballets. Ele comp\u00f4s v\u00e1rias sinfonias, cerca de oito \u00f3peras, a \u201cabertura de fantasia\u201d Romeu e Julieta, Lago dos Cisnes, Quebra Nozes, Bela Adormercida, a 1812 Overture, alguns concertos de piano e toda uma s\u00e9rie de m\u00fasicas menores aqui e ali.<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

No momento em que Tchaikovsky veio para a R\u00fassia no s\u00e9culo XIX, este pa\u00eds estabeleceu uma reputa\u00e7\u00e3o indescrit\u00edvel para o desempenho do ballet, tanto em S\u00e3o Petersburgo no Teatro Maryinsky quanto em menor grau, no Teatro Bolshoi de Moscou. Foi o Bolshoi que o contratou para escrever um novo ballet, baseado em uma lenda alem\u00e3, O Lago dos Cisnes. Nunca tendo escrito um ballet e ansioso para tentar uma nova forma de express\u00e3o, Tchaikovsky aceitou o desafio. Profissionalmente, as coisas iam cada vez melhores para Tchaikovsky. Seus trabalhos estavam ganhando maior aceita\u00e7\u00e3o. Na frente do ballet, as coisas pareciam muito melhores. O Bolshoi de Moscou encomendou o Lago dos Cisnes em 1894 e teve seu desempenho de estr\u00e9ia em uma vers\u00e3o menor naquele ano. A estreia do Bolshoi do “Lago dos<\/strong> Cisnes<\/strong>” em 1877 n\u00e3o foi particularmente bem. Mas n\u00e3o foi culpa de Tchaikovsky. O maestro era um amador de categoria que n\u00e3o sabia o que estava fazendo. E o papel principal de Odette, o cisne branco, deveria ter ido para a principal bailarina da companhia, mas para as primeiras noites foi para a sua rival menos talentosa. E como se tudo n\u00e3o estivesse suficientemente ruim, os cr\u00edticos odiavam porque a hist\u00f3ria original era alem\u00e3 e, portanto, n\u00e3o era russo o suficiente. Mas as coisas ficaram muito melhores depois, quando Marius Petip\u00e1 apanhou o Lago dos Cisnes em 1895 e o recoreografou para a vers\u00e3o que podemos ver hoje. Na produ\u00e7\u00e3o original, Odette e Odile eram duas bailarinas diferentes, mas na de Petip\u00e1 era para que a mesma bailarina dan\u00e7asse os dois pap\u00e9is \u2013 tornando toda a identidade equivocada Odette \/ Odile muito mais convincente. Foi a bailarina italiana Pierina Legnani que primeiro dan\u00e7ou o papel duplo Odette \/ Odile para Petip\u00e1. Desde ent\u00e3o, o papel passou a se tornar grande esfor\u00e7o para exibir o talento de uma longa fila de bailarinas russas. Ironicamente, embora tenha sido uma de suas obras mais famosas e mais amadas, Tchaikovsky\u00a0 nunca viveu para ver uma produ\u00e7\u00e3o completa do Lago dos Cisnes. Desde a desastrosa estr\u00e9ia, que n\u00e3o foi a vers\u00e3o completa de qualquer maneira, tudo o que ele viu foram peda\u00e7os. Tamb\u00e9m foi Pierina quem primeiro dan\u00e7ou os agora famosos 32 fouett\u00e9s.<\/p>\n

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\u00a0O pr\u00f3ximo ballet de repert\u00f3rio, “La Bayad\u00e8re”,<\/b><\/i> \u00e9 um\u00a0ballet\u00a0, originalmente encenado em quatro atos e sete quadros do core\u00f3grafo franc\u00eas\u00a0Marius Petip\u00e1 e m\u00fasica de\u00a0Ludwig Minkus\u00a0.<\/span>\u00a0O ballet foi encenado especialmente para o\u00a0espet\u00e1culo beneficente\u00a0da primma<\/em>\u00a0ballerina r<\/i>ussa\u00a0Ekaterina Vazem\u00a0, que criou o papel principal de Nikiya.<\/span>\u00a0La Bayad\u00e8re<\/i> foi apresentado pela primeira vez pelo Ballet Imperial no Teatro Imperial Bolshoi Kamenny em S\u00e3o Petersburgo , R\u00fassia , em 04 de fevereiro de 1877. Desde a primeira apresenta\u00e7\u00e3o, o ballet foi universalmente saudado pelos cr\u00edticos contempor\u00e2neos como um dos core\u00f3grafos de Petip\u00e1. Obras-primas supremos, particularmente a cena do ballet conhecido como O Reino das Sombras<\/i>\u00a0, que se tornou uma das pe\u00e7as mais c\u00e9lebres de todo o ballet cl\u00e1ssico.<\/span>\u00a0Na virada do s\u00e9culo XX,\u00a0a<\/i>\u00a0cena\u00a0do Reino das Sombras<\/i>\u00a0era regularmente extra\u00edda do trabalho completo como uma pe\u00e7a final independente, e permaneceu assim at\u00e9 os dias atuais.\u00a0<\/span>Quase todas as vers\u00f5es modernas de\u00a0La Bayad\u00e8re<\/i>\u00a0s\u00e3o derivadas da produ\u00e7\u00e3o do Kirov Ballet de 1941, que foi uma edi\u00e7\u00e3o severamente redigida por\u00a0Vakhtang Chabukiani\u00a0e Vladimir Ponomarev em Leningrado em 1941. <\/span><\/p>\n

Petip\u00e1 passou quase seis meses encenando La Bayad\u00e8re<\/i>\u00a0.<\/span>\u00a0Durante os ensaios, Petip\u00e1 colidiu com a Prima Ballerina<\/i>\u00a0Vazem sobre a quest\u00e3o de sua entrada no\u00a0Grand Pas d’action<\/i>\u00a0final do ballet, enquanto tamb\u00e9m experimentava muitos problemas com os cen\u00f3grafos que constru\u00edam os elaborados efeitos de palco do ballet.<\/span>\u00a0Petip\u00e1 tamb\u00e9m temia que seu novo trabalho tocasse em uma casa vazia, j\u00e1 que o diretor do Teatro Imperial, o bar\u00e3o Karl Kister, aumentou os pre\u00e7os dos ingressos para um valor superior ao da \u00f3pera italiana, que na \u00e9poca era cara.<\/span>\u00a0A passagem mais c\u00e9lebre e duradoura de\u00a0La Bayad\u00e8re<\/i> foi a cena de grande vis\u00e3o de Petip\u00e1 conhecida como\u00a0O Reino das Sombras<\/i>\u00a0.<\/span>\u00a0Petip\u00e1 encenou esta cena como um Grand Pas Classique<\/i>\u00a0, completamente desprovido de qualquer a\u00e7\u00e3o dram\u00e1tica.<\/span>\u00a0Sua coreografia simples e acad\u00eamica se tornaria uma de suas composi\u00e7\u00f5es mais c\u00e9lebres, com o\u00a0Sortie des Bayad\u00e8res<\/i>\u00a0dos trinta e dois integrantes do\u00a0Corpo de Baile\u00a0de Sombras tornando-se a sua mais c\u00e9lebre composi\u00e7\u00e3o de todas.<\/span><\/p>\n

A revitaliza\u00e7\u00e3o final de\u00a0La Bayad\u00e8re de<\/i> Petip\u00e1 foi dada pela primeira vez em 15 de dezembro de 1900, especialmente para a dupla performance do\u00a0primeiro danseur<\/i>\u00a0Pavel Gerdt\u00a0do Imperial Theatre e da\u00a0bailarina Prima<\/i>\u00a0Mathilde Kschessinskaya\u00a0.<\/span>\u00a0Entre as mudan\u00e7as de Petip\u00e1 para este reavivamento foi o re-estabelecimento da cena O Reino das Sombras<\/i>\u00a0de um castelo encantado no c\u00e9u em um palco totalmente iluminado, para um cen\u00e1rio escuro e rochoso nos picos do\u00a0Himalaia\u00a0.<\/span>\u00a0Petipa aumentou o n\u00famero de dan\u00e7arinos no\u00a0corpo de baile<\/i>\u00a0de trinta e dois para quarenta e oito, tornando a ilus\u00e3o de esp\u00edritos descendentes ainda mais eficaz na famosa\u00a0Sortie des bayad\u00e8res<\/i>\u00a0.<\/span><\/p>\n

Em mar\u00e7o de 1903, a cena\u00a0O Reino das Sombras<\/i>\u00a0foi realizada de forma independente durante uma apresenta\u00e7\u00e3o de gala no\u00a0Pal\u00e1cio de Peterhof\u00a0em homenagem a uma visita de estado do\u00a0Kaiser Wilhelm II\u00a0.<\/span>\u00a0Esta \u00e9 a primeira ocasi\u00e3o conhecida em que a cena\u00a0O Reino das Sombras<\/i>\u00a0foi apresentada como uma pe\u00e7a de concerto independente.<\/span><\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n<\/div>\n

“O talism\u00e3<\/b>“<\/i> \u00e9 um\u00a0fant\u00e1stico ballet\u00a0em 4 Atos-7 Cenas, com coreografia de\u00a0Marius Petip\u00e1 e m\u00fasica de\u00a0Riccardo Drigo\u00a0.<\/span>\u00a0Libreto de Konstantin Augustovich Tarnovsky e Marius Petip\u00e1.<\/span>\u00a0Foi estreada em 06 de fevereiro de 1889 no Imperial Mariinsky Theatre em S\u00e3o Petersburgo, na R\u00fassia. Teve como bailarinos principais – Elena Cornalba (como Niriti, filha da Rainha dos Deuses), Enrico Cecchetti (como Vayou, o Deus do vento), e Pavel Gerdt (como Noureddin). Este ballet deu origem ao chamado Talisman Pas de Deux<\/i>\u00a0, que hoje \u00e9 dan\u00e7ado por muitas companhias de ballet.<\/span><\/p>\n

Este ballet teve lugar na antiga \u00cdndia e teve um sucesso med\u00edocre na sua estreia.<\/span>\u00a0A principal atra\u00e7\u00e3o dos balletomanes e dos cr\u00edticos foi a partitura de Drigo, que causou sensa\u00e7\u00e3o, e at\u00e9 levou Petip\u00e1 a exclamar: “Eu deveria ter tido a orquestra tocando no palco e os dan\u00e7arinos se apresentando na arena!”<\/i><\/span>\u00a0.<\/span>\u00a0O artista\u00a0Alexander Benois\u00a0contou em suas mem\u00f3rias (intitulado\u00a0M\u00e9moirs<\/i>\u00a0) de sua extrema satisfa\u00e7\u00e3o com a partitura de Drigo, que segundo ele inspirou uma “paix\u00e3o curta” nele como jovem estudante na\u00a0Universidade Estadual de S\u00e3o Petersburgo.<\/span><\/p>\n

<\/i>A remontagem de Petip\u00e1 de 1895 foi um sucesso retumbante, e at\u00e9 mesmo provou ser mais popular entre o p\u00fablico de S\u00e3o Petersburgo que o dele e Lev Ivanov renascimento do lend\u00e1rio de “Swan Lake” , que foi apresentado pela primeira vez no in\u00edcio do mesmo ano. Nikolai Legat o renascimento de 1909, para o qual Drigo completamente remodelado sua pontua\u00e7\u00e3o original, foi muito bem sucedida. A primeira apresenta\u00e7\u00e3o foi dado em homenagem ao anivers\u00e1rio de casamento treze do czar Nicolau II e Alexandra Feodorovna imperatriz , que participou da premi\u00e8re com toda a fam\u00edlia imperial. O p\u00fablico tamb\u00e9m incluiu muitos membros da nobreza de S\u00e3o Petersburgo. Avivamento Legat permaneceu no repert\u00f3rio do Ballet Imperial at\u00e9 pouco antes da revolu\u00e7\u00e3o de outubro de 1917.<\/p>\n

Em 1997, o core\u00f3grafo Paulo Chalmers encenou uma remontagem de O Talism\u00e3 para o Ballet Arena de Verona , It\u00e1lia . Ele foi montado de modo a coincidir com uma confer\u00eancia realizada em honra do 150 \u00ba anivers\u00e1rio do nascimento de Riccardo Drigo, e tamb\u00e9m foi realizada em sua cidade natal de P\u00e1dua .<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

Tchaikovsky juntou-se novamente com Petip\u00e1 para um pr\u00f3ximo ballet, \u201cA Bela Adormecida<\/strong>\u201d, baseado no cl\u00e1ssico conto de fadas, que ele come\u00e7ou a escrever em 1888 e que teve sua estr\u00e9ia no Teatro Maryinsky, em S\u00e3o Petersburgo, no dia 15 de janeiro 1890. Foi baseado no contos de fadas do escritor franc\u00eas Charles Perrault. A Bela Adormecida, sem d\u00favida, foi a grande obra que marcou o apogeu da R\u00fassia dos Czares, al\u00e9m de ser o grande sucesso de Tchaikovsky em vida (O Lago dos Cisnes parece ter superado A Bela Adormecida em sucesso, mas isso aconteceu somente depois da morte do compositor). A ambienta\u00e7\u00e3o da obra, em castelos reais, com personagens grandiosos e fant\u00e1sticos, marca a for\u00e7a da R\u00fassia na \u00e9poca. A produ\u00e7\u00e3o da obra foi feita em conjunto pelo core\u00f3grafo, figurinista e o compositor, por isso o resultado \u00e9 uma integra\u00e7\u00e3o t\u00e3o perfeita entre os tr\u00eas elementos. S\u00e3o caracter\u00edsticas especiais da obra as varia\u00e7\u00f5es muito ricas em t\u00e9cnica, especialmente a da Fada Lil\u00e1s, que Petip\u00e1 construiu para sua filha, Marie Mariusovna Petip\u00e1. Outra curiosidade \u00e9 que a fada do mal, Carabosse, costuma ser apresentada por um homem, provavelmente para ficar mais grosseira e pesada. A grandeza da obra fez com que tr\u00eas dos seus Grand Pas-de-Deux se tornassem independentes, sendo apresentados por grandes bailarinos de todo o mundo em espet\u00e1culos de gala, sem o resto do ballet.<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

Sem d\u00favida, o mais conhecido e mais popular dos ballets de Tchaikovsky junto com Petip\u00e1 mais uma vez \u00e9 o terceiro e o \u00faltimo, “O Quebra-nozes<\/strong>“. Ironicamente, na verdade, j\u00e1 que era um que ele n\u00e3o queria particularmente escrever.\u00a0 Ivan Vsevolozhsky, diretor dos Teatros Imperiais e o mesmo cara que encomendara a Bela Adormecida, queria um novo ballet. Mas Tchaikovsky estava mais interessado em escrever uma nova \u00f3pera, Iolanta. Acabou sendo um pacote – Tchaikovsky negociou o novo ballet como parte de um projeto duplo com a nova \u00f3pera. Ele achava que a \u00f3pera ia ser um grande sucesso, mas ele estava errado naquele momento. Gilbert e Sullivan tiveram muito mais sorte com sua opereta Iolanthe. T\u00edtulo similar – hist\u00f3ria totalmente diferente. Demorou cerca de um m\u00eas para que Tchaikovsky esbo\u00e7asse a m\u00fasica de O Quebra-Nozes em junho de 1892, mas demorou muitos meses depois daquela negocia\u00e7\u00e3o. O enredo vem da hist\u00f3ria “O Quebra-Nozes e o Rei-Rato” de E.T.A Hoffmann, que tamb\u00e9m forneceu a hist\u00f3ria para Copp\u00e9lia. Tchaikovsky n\u00e3o gostou muito – pensava que era muito bobo e, para a hist\u00f3ria de uma crian\u00e7a, n\u00e3o dava muito para as crian\u00e7as fazerem – mas mesmo assim ele escreveu uma m\u00fasica maravilhosa para este ballet.<\/p>\n

Desde ent\u00e3o, o Quebra-nozes, com seu peixinho dan\u00e7ante e suas flores e fadas a\u00e7ucaradas, tornou-se um eterno favorito – tanto uma parte da tradi\u00e7\u00e3o natalina para muitas pessoas, como o pres\u00e9pio do Papai Noel e as festas de final de ano. O Quebra-nozes tornou-se um favorito perp\u00e9tuo em todo o mundo e as companhias de ballet em todo o mundo, grandes e pequenas, fazem produ\u00e7\u00f5es todos os anos, da mesma forma. Tamb\u00e9m fiz um post super completo desse ballet! Para ler, \u00e9 s\u00f3 clicar aqui<\/a>!<\/p>\n

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O pr\u00f3ximo ballet foi “Raymonda<\/strong>” escrito por Lydia Pashkova e\u00a0Marius Petip\u00e1, coreografado por Marius Petip\u00e1 e m\u00fasica de\u00a0Alexander Glazunov. Teve sua estreia mundial em 19 de Janeiro de 1898, no Teatro Maryinski em S\u00e3o Petersburgo, R\u00fassia. Contou com Pavel Gerdt, como Abderakhman, Pierina Legnani, como Raymonda e Sergei Legat como Jean de Brienne.\u00a0O ballet foi criado especialmente para o espet\u00e1culo<\/span>\u00a0beneficente\u00a0da bailarina italiana\u00a0Pierina Legnani\u00a0, que criou o papel-t\u00edtulo.<\/span>\u00a0Entre as passagens mais c\u00e9lebres do ballet est\u00e1 o\u00a0Pas classique hongrois<\/i>\u00a0(tamb\u00e9m conhecido como\u00a0Raymonda Pas de dix<\/i>\u00a0) do terceiro ato, que muitas vezes \u00e9 realizado independentemente.<\/span><\/p>\n

Hoje\u00a0Raymonda<\/i>\u00a0\u00e9 realizado por muitas companhias de ballet em todo o mundo com coreografias derivadas principalmente do renascimento de 1948 do\u00a0Kirov Ballet\u00a0, encenado por\u00a0Konstantin Sergeyev\u00a0.<\/span>\u00a0Sergeyev alterou muito, e em alguns casos mudou completamente, a coreografia de Marius Petip\u00e1, particularmente nas dan\u00e7as para o corpo de baile<\/i>\u00a0.<\/span>\u00a0A coreografia revisada por Sergeyev continua sendo o texto tradicional para a maioria das produ\u00e7\u00f5es mundiais de\u00a0Raymonda<\/i>\u00a0, entre elas a vers\u00e3o de\u00a0Rudolf Nureyev\u00a0para o\u00a0Paris Op\u00e9ra Ballet\u00a0e a vers\u00e3o de\u00a0Anna-Marie Homes\u00a0para o\u00a0American Ballet Theatre\u00a0, respectivamente.<\/span><\/p>\n

A coreografia e\u00a0mise-en-sc\u00e8ne<\/i>\u00a0da produ\u00e7\u00e3o original do Ballet Imperial de\u00a0Raymonda<\/i>\u00a0, encenada em 1898, foi gravada no m\u00e9todo de performances estrelando a renomada bailarina russa\u00a0Olga Preobrajenskaya\u00a0no papel-t\u00edtulo.<\/span>\u00a0Hoje, essa nota\u00e7\u00e3o faz parte da\u00a0cole\u00e7\u00e3o Sergeyev\u00a0da Universidade\u00a0de Harvard\u00a0.<\/span>\u00a0Em 2011,\u00a0Sergei Vikharev\u00a0utilizou esta nota\u00e7\u00e3o para realizar uma reconstru\u00e7\u00e3o quase total da produ\u00e7\u00e3o original de 1898 de\u00a0Raymonda\u00a0<\/i>para o\u00a0Teatro alla Scala\u00a0.<\/span><\/p>\n

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“Cinderela<\/b>“<\/i>\u00a0\u00e9 um\u00a0ballet-f\u00e9erie<\/i> (um ballet conto de fadas) em tr\u00eas atos, com a coreografia de\u00a0Enrico Cecchetti\u00a0(Atos I e III) e\u00a0Lev Ivanov\u00a0(Ato II), supervisionada por\u00a0Marius Petip\u00e1 .<\/span>\u00a0A m\u00fasica \u00e9 do\u00a0bar\u00e3o Boris Fitinhoff-Schell\u00a0;<\/span>\u00a0o libreto \u00e9 de\u00a0Lidia Pashkova\u00a0e\u00a0Ivan Vsevolozhsky\u00a0.<\/span>\u00a0Foi apresentado pela primeira vez pelo\u00a0Ballet Imperial\u00a0em 17 de dezembro de 1893 no\u00a0Imperial Mariinsky Theatre\u00a0em\u00a0S\u00e3o Petersburgo\u00a0,\u00a0Imp\u00e9rio Russo\u00a0.\u00a0Embora o libreto deste trabalho tenha sido muito criticado pelos cr\u00edticos e balletomanes de S\u00e3o Petersburgo por dar mais \u00eanfase ao espet\u00e1culo do que ao drama e \u00e0 narra\u00e7\u00e3o de hist\u00f3rias, a produ\u00e7\u00e3o foi um enorme sucesso devido \u00e0 esmagadora ova\u00e7\u00e3o dada \u00e0 bailarina italiana Pierina Legnani em o papel do t\u00edtulo.\u00a0A estr\u00e9ia de Legnani na noite de estreia da\u00a0Cinderela<\/i>\u00a0causou sensa\u00e7\u00e3o na plat\u00e9ia do Teatro Mariinsky, e ela foi universalmente elogiada pelos cr\u00edticos de S\u00e3o Petersburgo, com o cr\u00edtico do\u00a0Peterburgskaya Gazeta<\/i>\u00a0relatando que sua dan\u00e7a alcan\u00e7ou um n\u00edvel de\u00a0“… perfei\u00e7\u00e3o sem precedentes.\u00a0<\/i><\/span><\/p>\n

A estr\u00e9ia de\u00a0Cinderela<\/i> tem a distin\u00e7\u00e3o de ser a primeira apresenta\u00e7\u00e3o de um ballet na R\u00fassia para apresentar uma bailarina que executa 32 fouett\u00e9s en tournant consecutivos, que foi executada por Pierina Legnani no papel-t\u00edtulo.<\/span>\u00a0O historiador de ballet Konstantin Skalkovsky , que serviu como cr\u00edtico de dan\u00e7a para o Peterburgskaya gazeta<\/i>\u00a0na virada do s\u00e9culo 20, relatou o feito de Legnani:\u00a0“… no \u00faltimo ato Legnani se superou positivamente. Quando\u00a0Emma Bessone\u00a0dan\u00e7ou a lideran\u00e7a em”\u00a0The Haarlem Tulip\u00a0“ela fez 14 fouett\u00e9s. Em sua varia\u00e7\u00e3o Legnani realizou 32 deles sem parar, e sem viajar uma polegada! O p\u00fablico aplaudiu com prazer a bailarina e obrigou-a a repetir essa varia\u00e7\u00e3o tamb\u00e9m. Na repeti\u00e7\u00e3o, no entanto, fez 28 fouett\u00e9s. Cont\u00e1-los tornou-se a ocupa\u00e7\u00e3o favorita do p\u00fablico “.<\/i><\/span><\/p>\n

Cinderela<\/i>\u00a0foi posteriormente encenada para o\u00a0Teatro Bolshoi\u00a0de\u00a0Moscou\u00a0por Lev Ivanov, com a primeira apresenta\u00e7\u00e3o em 31 de julho de 1898. Ivanov supervisionou uma revivifica\u00e7\u00e3o do segundo ato para o desempenho de despedida de Pierina Legnani em 5 de fevereiro 23 de janeiro de 1901. Esta seria a \u00faltima apresenta\u00e7\u00e3o de qualquer parte do ballet.<\/span><\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

“Les Sylphides<\/b>“<\/i>\u00a0ou “Chopiniana<\/b>“\u00e9 um ballet em um ato, criado para os\u00a0Ballets Russes\u00a0de\u00a0Serguei Diaghilev. Baseado em obras do m\u00fasico\u00a0Fr\u00e9d\u00e9ric Chopin, coreografado por\u00a0Michel Fokine\u00a0e com cen\u00e1rios de\u00a0Alexandre Benois. Foi encenado pela primeira vez em 2 de junho de 1909 no\u00a0Th\u00e9\u00e2tre du Ch\u00e2telet\u00a0em\u00a0Paris.<\/p>\n

Les Sylphides<\/i>\u00a0alguma vezes \u00e9 confundido com outro ballet denominado\u00a0La Sylphide<\/i>\u00a0. De nome parecido e com o mesmo tema que \u00e9 a invoca\u00e7\u00e3o das figuras mitol\u00f3gicas das\u00a0s\u00edlfides, a semelhan\u00e7a para por a\u00ed. S\u00e3o ballets bem distintos, com m\u00fasicas, coreografias, cen\u00e1rio e cria\u00e7\u00e3o realizadas por pessoas diferentes.<\/p>\n

Em 1907, Mikhail Fokine coreografou uma m\u00fasica de Chopin – opus 64, n\u00ba 2 – para uma apresenta\u00e7\u00e3o beneficente e convidou a bailarina russa\u00a0Anna Pavlova\u00a0dan\u00e7\u00e1-la. Em 1908, para uma outra noite beneficente, ele coreografou uma mazurka e uma valsa de Chopin e deu o nome de\u00a0Danses sur la Musique de Chopin<\/i>\u00a0para a apresenta\u00e7\u00e3o, agora para um corpo de baile.<\/p>\n

A id\u00e9ia tomou forma e Fokine juntou outras m\u00fasicas de Chopin e com\u00a0orquestra\u00e7\u00e3o\u00a0de\u00a0Alexander Glazunov\u00a0e cen\u00e1rios e ilumina\u00e7\u00e3o de Alexandre Benois, lan\u00e7ou o ballet que denominou\u00a0Chopiniana<\/i>\u00a0no dia 19 de fevereiro de 1909 no\u00a0Teatro Mariinski\u00a0em\u00a0S\u00e3o Petersburgo.\u00a0Os bailarinos desta apresenta\u00e7\u00e3o foram\u00a0Tamara Karsavina,\u00a0Nijinsky,\u00a0Anna Pavlova\u00a0e\u00a0Alexandra Baldina. Serguei Diaghilev assistiu, gostou e prop\u00f4s que fosse apresentado em Paris, em seus Ballets Russes. Sugeriu que se acrecentassem mais m\u00fasicas e trocou o seu nome para\u00a0Les Sylphides<\/i>.<\/p>\n

Como\u00a0Les Sylphides<\/i>\u00a0a estr\u00e9ia se deu em 2 de junho de 1909 no Teatro de Ch\u00e2telet em Paris, produzida por Serguei Diaghilev para os Ballets Russes. Os bailarinos desta apresenta\u00e7\u00e3o foram os mesmos da apresenta\u00e7\u00e3o da\u00a0Chopiniana<\/i>. Os costumes e cen\u00e1rios foram tamb\u00e9m de\u00a0Alexandre Benois.<\/p>\n

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“Scheherazade<\/b>”\u00a0(ou\u00a0Sheherazade<\/b>), \u00e9 uma\u00a0su\u00edte\u00a0sinf\u00f4nica composta por\u00a0Nikolai Rimsky-Korsakov\u00a0em\u00a01888. Baseado no livro das\u00a0Mil e Uma Noites<\/i>, este trabalho\u00a0orquestral\u00a0combina duas caracter\u00edsticas comuns seja \u00e0\u00a0m\u00fasica russa\u00a0seja \u00e0 de Rimsky-Korsakov: o colorido da orquestra\u00e7\u00e3o e um interesse pelo Oriente, sempre muito presente na hist\u00f3ria da\u00a0R\u00fassia imperial. \u00c9 considerada a obra mais popular de Rimsky-Korsakov.\u00a0Em\u00a01910,\u00a0Michel Fokine\u00a0utilizou a m\u00fasica para um\u00a0ballet, no qual participaram\u00a0Vaslav Nijinski, em um dos pap\u00e9is principais, e\u00a0Leon Bakst, na prepara\u00e7\u00e3o do figurino e cen\u00e1rio<\/p>\n

\"Imagem<\/p>\n

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Em 1910 tivemos a estreia mundial de um novo ballet: “O p\u00e1ssaro de fogo<\/strong>” (\u201cFirebird<\/em>\u201d), coreografado por Michel Fokine, que foi um bailarino do Imperial Ballet antes de se tornar um grande core\u00f3grafo. Este ballet causou uma sensa\u00e7\u00e3o na temporada de 1910 em Paris. Dois bailarinos, Anna Pavlova e Vaslav Nijinsky, ambos treinados no Imperial Ballet em S\u00e3o Petersburgo, se juntaram ao \u201cBallet Russes\u201d de Diaghilev nos primeiros dias e passaram a se tornar dois dos maiores bailarinos que o mundo do ballet j\u00e1 viu.<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n
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\"Resultado<\/div>\n
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Ap\u00f3s o Pass\u00e1ro de Fogo, Nijinsky tamb\u00e9m dan\u00e7ou no pr\u00f3ximo trabalho de Stravinsky, em 1911, “Petrushka<\/strong>“, que n\u00e3o era exclusivamente um ballet, mas um trabalho de palco com movimento e dan\u00e7a. Come\u00e7ou como um concerto para piano, mas Diaghilev logo resolveu isso.\u00a0Vaslav Nijinski\u00a0encarnou Petrouchka, Tamara Karsavina,\u00a0 a Bailarina, Alexandre Orlov fazia o Mouro e\u00a0Enrico Cecchetti, O Charlat\u00e3o. Em sua estr\u00e9ia e at\u00e9 mesmo em performances posteriores, cr\u00edticas e p\u00fablicos tamb\u00e9m n\u00e3o sabiam o que fazer com isso. O que come\u00e7ou naquela noite, em Paris, em 1913, como meros chefes e assobios da audi\u00eancia logo se desenvolveram em uma tumultada em grande escala nos assentos, com pessoas batendo e se perfurando, gritando, derrubando os assentos.<\/div>\n
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\u00a0\"Imagem<\/div>\n
“A tarde de um fauno<\/b>“ (“L’apr\u00e8s-midi d’un faune<\/strong>“)<\/i>\u00a0\u00e9 um ballet, inicialmente\u00a0coreografado\u00a0por\u00a0Vaslav Nijinski\u00a0para os\u00a0Ballets Russes, tendo por fundo o “Pr\u00e9lude \u00e0 l’apr\u00e8s-midi d’un Faune”\u00a0<\/i>de\u00a0Claude Debussy, e que recebeu posteriormente duas outras coreografias. Todas t\u00eam por base o poema “L’apr\u00e8s-midi d’un faune”<\/i>, do poeta franc\u00eas St\u00e9phane Mallarm\u00e9. A primeira apresenta\u00e7\u00e3o do ballet deu-se no Th\u00e9\u00e2tre du Ch\u00e2telet, em Paris, no dia 29 de maio de 1912, e o pr\u00f3prio Nijinski dan\u00e7ou o papel principal. Al\u00e9m da cena descrita no poema de Mallarm\u00e9, uma pequena centa introdut\u00f3ria foi acrescida. L’apr\u00e8s-midi d’un faune<\/i>\u00a0foi coreografado, em\u00a01953\u00a0por\u00a0Jerome Robbins, no\u00a0City Center of Music and Drama\u00a0de\u00a0Nova Iorque. Teve cenografia e ilumina\u00e7\u00e3o por Jean Rosenthal, e figurino de Irene Sharaff. A terceira vers\u00e3o usou materiais diferentes dos de Nijinski, e foi feita pelo core\u00f3grafo\u00a0Tim Rushton, estreando em fevereiro de\u00a02006\u00a0no Orange County Performing Arts Center, em\u00a0Costa Mesa,\u00a0Calif\u00f3rnia.<\/div>\n
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\u00a0\"Resultado<\/div>\n
“<\/b>Le Sacre du printemps<\/strong>“<\/b><\/i>\u00a0(A Sagra\u00e7\u00e3o da Primavera)<\/b>, com o sub-t\u00edtulo de\u00a0Quadros da R\u00fassia pag\u00e3 em duas partes<\/i>, \u00e9 um\u00a0ballet\u00a0composto por\u00a0Igor Stravinsky\u00a0e\u00a0coreografado\u00a0originalmente por\u00a0Vaslav Nijinsky. A concep\u00e7\u00e3o de\u00a0cenografia\u00a0e os\u00a0figurinos\u00a0foram de\u00a0Nicholas Roerich. O ballet foi produzido por\u00a0Sergei Diaghilev\u00a0para a sua companhia de\u00a0Ballets Russes, tendo estreado no\u00a0Teatro dos Campos El\u00edsios\u00a0de\u00a0Paris, em\u00a029 de maio\u00a0de\u00a01913. O ballet chegou a ser chamado de o “Massacre du Printemps<\/em>“.\u00a0 Desde o momento de sua abertura, com um fagote solit\u00e1rio absurdamente alto em seu registro, voc\u00ea pode ouvir que voc\u00ea est\u00e1 em algo incomum. E isso antes de todas as coisas r\u00edtmicas e sensuais. A m\u00fasica nunca foi a mesma desde ent\u00e3o.<\/div>\n
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O que come\u00e7ou naquela noite de maio em Paris em 1913, quando meras vaias e assovios da plat\u00e9ia logo se transformaram em tumulto em grande escala nos assentos, com pessoas batendo e socando umas as outras, gritando, rasgando os assentos e geralmente se comportando como o p\u00fablico adolescente em um show punk (Stravinsky estava obviamente \u00e0 frente de seu tempo). Tentando acalmar a multid\u00e3o, Diaghilev mandou os assistentes de palco acenderem as luzes, mas talvez isso s\u00f3 tenha deixado eles mais irritados.<\/p>\n

Ironicamente, em pouco tempo o p\u00fablico estava fazendo tanto barulho que eles n\u00e3o poderiam ter ouvido a m\u00fasica de qualquer maneira, mas at\u00e9 ent\u00e3o as coisas ficaram bem e verdadeiramente fora de m\u00e3o. O pobre Nijinsky, que coreografou o trabalho al\u00e9m de dan\u00e7ar nele, teve de recorrer a bater os p\u00e9s e gritar n\u00fameros de batidas, tentando manter os dan\u00e7arinos juntos. Foi uma causa perdida. Os ritmos no Le Sacre s\u00e3o realmente complicados. H\u00e1 peda\u00e7os no movimento final, Danse Sacrale, onde o pr\u00f3prio Stravinsky, sempre que o conduzia, arrotava baixinho, s\u00f3 para seguir em frente. Claro, n\u00e3o foi apenas a m\u00fasica que deixou o p\u00fablico t\u00e3o irritado – foi o erotismo escandaloso do assunto, e a natureza gr\u00e1fica com a qual ele foi exibido. E \u00e9 claro que n\u00e3o ajudou o pr\u00f3prio Nijinsky a fazer um gesto grosseiro para a plat\u00e9ia.<\/p>\n

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\u00a0“Les Noces<\/strong>“<\/i>\u00a0(em\u00a0portugu\u00eas:\u00a0As N\u00fapcias<\/b><\/span>) \u00e9 um\u00a0ballet\u00a0com cantores (cantata\u00a0dan\u00e7ada) de\u00a0\u00cdgor Stravinski. Estreou em\u00a013 de junho\u00a0de\u00a01923\u00a0<\/sup>pela\u00a0Ballets Russes\u00a0no\u00a0Th\u00e9\u00e2tre de la Ga\u00eet\u00e9-Lyrique,<\/sup>\u00a0com coreografia de\u00a0Bronislava Nijinska\u00a0e condu\u00e7\u00e3o por\u00a0Ernest Ansermet.\u00a0Les Noces<\/i>\u00a0marca a transi\u00e7\u00e3o do per\u00edodo russo para o\u00a0neocl\u00e1ssico\u00a0de Stravinski. Sua m\u00fasica influenciou diversos artistas contempor\u00e2neos. Stravinski come\u00e7ou a compor em\u00a01913, sob comiss\u00e3o de\u00a0Sergei Diaguilev. Escreveu o\u00a0libreto\u00a0por conta pr\u00f3pria a partir de letras de can\u00e7\u00f5es russas de casamento coletadas por\u00a0Pyotr Kireevsky(1911). As\u00a0partituras\u00a0para voz foram completadas na\u00a0Su\u00ed\u00e7a\u00a0em meados de\u00a01917.\u00a0<\/sup>Durante seu desenvolvimento, a orquestra\u00e7\u00e3o foi alterada dramaticamente. Foi primeiramente concebida para uma orquestra sinf\u00f4nica estendida de 150 instrumentos similar a usada em\u00a0A Sagra\u00e7\u00e3o da Primavera<\/i>, passou por diversas varia\u00e7\u00f5es, incluindo a adi\u00e7\u00e3o de uma\u00a0pianola,\u00a0cimbalons\u00a0e um\u00a0harm\u00f4nio. Terminada em\u00a01919, essa vers\u00e3o da obra s\u00f3 estreou em 1981 em\u00a0Paris, conduzida por\u00a0Pierre Boulez. Entretanto, essa vers\u00e3o foi abandonada. A estrutura final foi finalmente montada em torno de 1921, resultando em\u00a0soprano,\u00a0mezzosoprano,\u00a0tenor,\u00a0baixo,\u00a0coral\u00a0misto, e dois grupos de\u00a0instrumentos de percuss\u00e3o, e quatro\u00a0pianos. Bronislava Nijinska\u00a0havia retornado \u00e0\u00a0Paris\u00a0ap\u00f3s permanecer na\u00a0R\u00fassia\u00a0de 1914 a 1921, com planos de desenvolver ideias encubadas em\u00a0Kiev. A religiosidade do contexto da cerim\u00f4nia de casamento est\u00e1 presente durante a apresenta\u00e7\u00e3o; os dan\u00e7arinos parecem abstra\u00eddos, e n\u00e3o fazem contato visual com a plateia.<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n
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\u00a0\"Resultado<\/div>\n
“Les biches<\/b>“<\/i>\u00a0\u00e9 um ballet coreografado por\u00a0Bronislava Nijinska\u00a0para m\u00fasica de\u00a0Francis Poulenc\u00a0e estreado pelos\u00a0Ballets Russes\u00a0em 6 de janeiro de 1924.\u00a0Poulenc, que na \u00e9poca era relativamente desconhecido, foi convidado por\u00a0Serge Diaghilev\u00a0para escrever uma pe\u00e7a baseada em\u00a0Les Sylphides de<\/i>\u00a0Glazunov\u00a0, escrita dezessete anos antes.<\/span>Poulenc, no entanto, escolheu basear seu trabalho nas pinturas de\u00a0Watteau\u00a0que mostravam\u00a0Lu\u00eds XV\u00a0e v\u00e1rias mulheres em seu “Parc aux biches”.<\/span>\u00a0A palavra\u00a0biche<\/i>\u00a0\u00e9 geralmente traduzida como “doe”, um cervo adulto feminino.<\/span>\u00a0“Does” foi usado como uma g\u00edria para mulheres coquetes.<\/span>\u00a0Poulenc descreveu seu trabalho como uma “festa contempor\u00e2nea de sala de estar repleta de uma atmosfera de devassid\u00e3o, que voc\u00ea sente se estiver corrompida, mas da qual uma garota de mente inocente n\u00e3o estaria consciente”.<\/span><\/div>\n
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Diaghilev reconheceu o grande potencial do ballet e o produziu para a temporada de 1924 do Ballet Russes, colocando a Poulenc na vanguarda da m\u00fasica francesa.<\/span>\u00a0Les biches<\/i>\u00a0foi bem recebido pelos cr\u00edticos e apreciado pelo p\u00fablico da moda, com\u00a0Henri Malherbe,\u00a0da\u00a0Time,<\/i>\u00a0chamando-o de “surpreendentemente \u00edntimo”.<\/span>\u00a0Jean Cocteau em\u00a0cima de aprovar a grandeza n\u00e3o planejada do trabalho escreveu: “A beleza, a melancolia de\u00a0Les biches<\/i>\u00a0resulta de uma falta de artif\u00edcio.”<\/span>\u00a0Poulenc continuamente revisou a m\u00fasica at\u00e9 a d\u00e9cada de 1940, eventualmente reduzindo-a a uma\u00a0su\u00edte\u00a0orquestral em cinco movimentos.<\/span><\/p>\n

O\u00a0<\/span>ballet,\u00a0<\/span>escrito\u00a0<\/span>em\u00a0<\/span>um\u00a0<\/span>estilo\u00a0<\/span>leve\u00a0<\/span>e\u00a0<\/span>espumoso,\u00a0<\/span>\u00e9,\u00a0<\/span>por\u00a0<\/span>turnos,\u00a0<\/span>uma\u00a0<\/span>reminisc\u00eancia\u00a0<\/span>de\u00a0Mozart,\u00a0Scarlatti\u00a0,\u00a0Franck\u00a0,\u00a0Tchaikovsky\u00a0e\u00a0Stravinsky\u00a0, refletindo o estilo da composi\u00e7\u00e3o privada de\u00a0Saint-Sa\u00ebns,\u00a0O Carnaval dos Animais\u00a0.<\/i><\/span>\u00a0Les biches<\/i>\u00a0usa um\u00a0coro\u00a0escondido, al\u00e9m da orquestra, um dispositivo encontrado antes em\u00a0Daphnis et Chlo\u00e9, de Ravel<\/i>\u00a0.<\/span>\u00a0O cen\u00e1rio e os figurinos foram desenhados por\u00a0Marie Laurencin\u00a0, dando uma sensa\u00e7\u00e3o de moda de classe alta.<\/span><\/p>\n

A pontua\u00e7\u00e3o foi redefinida para o\u00a0concerto de jazz do<\/i>\u00a0New York City Ballet\u00a0por\u00a0Francisco Moncion\u00a0, as outras tr\u00eas dan\u00e7as sendo\u00a0Creation of the World<\/i>\u00a0, de\u00a0Todd Bolender\u00a0,\u00a0Ebony Concerto<\/i>\u00a0, de\u00a0John Taras\u00a0, e\u00a0Ragtime (I), de<\/i>\u00a0George Balanchine\u00a0.<\/i><\/span>\u00a0A estreia do NY City Ballet ocorreu em 7 de dezembro de 1960, no\u00a0Centro da Cidade de M\u00fasica e Drama\u00a0.<\/span><\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

“Apollo<\/b>“<\/i>\u00a0(originalmente\u00a0Apollon musag\u00e8te<\/b><\/i>\u00a0e variadamente conhecido como\u00a0Apollo musagetes<\/i>\u00a0,\u00a0Apolo Musageta<\/i>\u00a0e\u00a0Apollo, l\u00edder das musas<\/i>\u00a0) \u00e9 um ballet neocl\u00e1ssico\u00a0em dois\u00a0quadros<\/i>\u00a0compostos entre 1927 e 1928 por\u00a0Igor Stravinsky\u00a0.<\/span>\u00a0Foi coreografado em 1928 por\u00a0George Balanchine\u00a0, de 24 anos, com o compositor contribuindo com o\u00a0libreto\u00a0.<\/span>\u00a0O cen\u00e1rio e os figurinos foram desenhados por\u00a0Andr\u00e9 Bauchant\u00a0, com novos trajes de\u00a0Coco Chanel\u00a0em 1929. O cen\u00e1rio foi executado por\u00a0Alexander Shervashidze\u00a0, com figurinos sob a dire\u00e7\u00e3o de Mme.<\/span>\u00a0A. Youkine<\/span>\u00a0A padroeira americana das artes,\u00a0Elizabeth Sprague Coolidge,\u00a0havia encomendado o ballet\u00a0<\/span>em\u00a0<\/span>1927\u00a0\u00a0<\/span>para\u00a0<\/span>um\u00a0<\/span>festival\u00a0<\/span>de\u00a0m\u00fasica\u00a0<\/span>contempor\u00e2nea\u00a0a\u00a0<\/span>ser\u00a0<\/span>realizado\u00a0<\/span>no\u00a0<\/span>ano\u00a0<\/span>seguinte\u00a0<\/span>na\u00a0Biblioteca\u00a0<\/span>do\u00a0<\/span>Congresso\u00a0em\u00a0Washington, DC.<\/span><\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n<\/div>\n

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“Chamas de Paris<\/strong>” (t\u00edtulo russo original Plamya Parizha ) \u00e9 um cl\u00e1ssico de ballet com m\u00fasica de music\u00f3logo e compositor Boris Asafiev baseado em can\u00e7\u00f5es da Revolu\u00e7\u00e3o Francesa, e originalmente coreografado por Vasily Vainonen , com design de Vladimir Dmitriev. Os quatro actos ballet s\u00e3o baseados em um livro de Felix Gras . Autores do libreto foram Nicolai Volkov e Vladimir Dmitriev. Estreou no Teatro Kirov de Leningrado em 7 de Novembro, 1932 , com Natalia Dudinskaya como Mireille de Poitiers, Vakhtang Chabukiani como Jerome, Olga Jord\u00e2nia como Jeanne, Nina Anisimova como Teresa, e Sergeyev Konstantin como Mistral. Outras produ\u00e7\u00f5es incluiu uma que estreou em 06 de julho de 1933, no Teatro Bolshoi , em Moscou , com Aleksei Yermolaev (Jerome), Abramova Anastasia (Jeanne), Kapustina Nadezhda (Teresa) e Marina Semenova (Poitiers Mireille DE). A produ\u00e7\u00e3o original e coreografia foi reconstru\u00eddo em 2008 por Alexei Ratmansky para o Ballet Bolshoi e est\u00e1 dispon\u00edvel em DVD com Ivan Vasiliev e Natalia Osipov(Classiques Bel Air ).<\/p>\n

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“Serenade<\/b>“<\/i>\u00a0\u00e9 um ballet de\u00a0George Balanchine\u00a0para\u00a0Serenata<\/i>\u00a01880 de\u00a0Tchaikovsky para cordas em C<\/i>\u00a0, op.<\/span>\u00a048. Os alunos da\u00a0Escola de American Ballet fizeram a primeira apresenta\u00e7\u00e3o no domingo, 10 de junho de\u00a01934,\u00a0na propriedade\u00a0Felix M. Warburg\u00a0em White Plains, NY, onde\u00a0Mozartiana<\/i>\u00a0havia sido dan\u00e7ada no dia anterior.<\/span>\u00a0Este foi o primeiro ballet que Balanchine coreografou na Am\u00e9rica.<\/span>\u00a0Foi ent\u00e3o apresentado pela Companhia Produtora da Escola de American Ballet em 6 de dezembro, no Avery Memorial Theater do\u00a0Wadsworth Atheneum,\u00a0com cen\u00e1rios do pintor\u00a0William Littlefield\u00a0.<\/span>Balanchine apresentou o ballet como sua resposta aos generosos patroc\u00ednios que recebeu durante sua imigra\u00e7\u00e3o para a Am\u00e9rica.<\/span>\u00a0A estr\u00e9ia oficial ocorreu em 1 de mar\u00e7o de 1935\u00a0com o\u00a0American Ballet\u00a0no\u00a0Adelphi Theatre\u00a0, em Nova York, conduzido por\u00a0Sandor Harmati\u00a0.<\/span>O dan\u00e7arino principal de NYCB\u00a0Philip Neal\u00a0escolheu incluir\u00a0Serenade<\/i>\u00a0em sua\u00a0performance de despedida\u00a0no domingo, 13 de junho de 2010.\u00a0<\/span>Os tutus azuis usados \u200b\u200bem\u00a0Serenade<\/i>\u00a0inspiraram o nome da\u00a0cratera de\u00a0Balanchine\u00a0no\u00a0planeta\u00a0Merc\u00fario\u00a0.<\/span>\u00a0O trabalho pode ser considerado uma ponte entre seus dois primeiros trabalhos para\u00a0Sergei Diaghilev\u00a0e seus trabalhos americanos, menos epis\u00f3dicos posteriores.<\/span>\u00a0A dan\u00e7a \u00e9 caracterizada por duas quedas, uma alus\u00e3o coreogr\u00e1fica a\u00a0Giselle<\/i>\u00a0, mas tamb\u00e9m um elemento na\u00a0Khorumi\u00a0, uma dan\u00e7a folcl\u00f3rica georgiana que influenciou Balanchine.<\/span><\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

O\u00a0ballet “Romeu e Julieta<\/b>“<\/i>\u00a0de\u00a0Sergei Sergeyevich Prokofiev\u00a0\u00e9 uma composi\u00e7\u00e3o dividida em tr\u00eas atos e treze cenas. Estreada no dia\u00a011 de janeiro\u00a0de\u00a01940\u00a0no teatro\u00a0Kirov, em\u00a0Leningrado, da baseado na\u00a0trag\u00e9dia\u00a0hom\u00f3nima\u00a0de\u00a0William Shakespeare. Prokofiev extraiu deste ballet tr\u00eas\u00a0su\u00edtes orquestrais\u00a0(Op. 64 bis, 64 ter e Op. 101) e uma selec\u00e7\u00e3o ainda mais reduzida foi adaptada para piano. As primeiras foram encenadas desde 1785, mas a vers\u00e3o mais conhecida atualmente foi produzida em 1940, quase dois s\u00e9culos depois. Tamb\u00e9m muitas m\u00fasicas foram compostas para representar essa trag\u00e9dia, e entre elas, vers\u00f5es de compositores famosos como Tchaikovsky e Berlioz tamb\u00e9m s\u00e3o conhecidas. A vers\u00e3o estreada em 1940, com a m\u00fasica de Prokofiev, foi a que mais se popularizou na dan\u00e7a, tendo caracter\u00edsticas singulares. \u00c0 t\u00edtulo de curiosidade, o roteiro para essa vers\u00e3o pretendia mudar a obra de Shakespeare, de modo que os amantes n\u00e3o morressem no final, mas a mudan\u00e7a n\u00e3o foi bem aceita, sendo abandonada. Tamb\u00e9m \u00e9 marcante nessa obra a grande aten\u00e7\u00e3o com personagens secund\u00e1rios, como Merc\u00facio, que tem um tema pr\u00f3prio de quase trinta minutos, tornando-se um papel disputado pelos melhores bailarinos do mundo.<\/p>\n

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“Theme and Variations<\/b>“<\/i>\u00a0\u00e9 um ballet de\u00a0George Balanchine\u00a0para o movimento final\u00a0da\u00a0Su\u00edte n\u00ba 3<\/i>\u00a0de\u00a0Tchaikovsky\u00a0para Orquestra<\/i>\u00a0em Sol Maior, op.<\/span>\u00a055\u00a0(1884).<\/span>\u00a0A estr\u00e9ia aconteceu em 26 de novembro de 1947, com o\u00a0Ballet Theatre\u00a0(pouco tempo depois renomeado como\u00a0American Ballet Theatre\u00a0) no\u00a0Centro de M\u00fasica e Drama\u00a0.<\/span>\u00a0O maestro era Benjamin Steinberg.<\/span>\u00a0Tema e Varia\u00e7\u00f5es\u00a0<\/i>foi concebido especialmente para\u00a0Alicia Alonso\u00a0e\u00a0Igor Youskevitch\u00a0.<\/span>\u00a0A estreia do City Ballet ocorreu em 5 de fevereiro de 1960, novamente no City Center.<\/span>\u00a0Foi incorporada por Balanchine em sua posterior\u00a0su\u00edte Tchaikovsky n\u00famero 3<\/i>\u00a0como seu quarto (e \u00faltimo) movimento, agora intitulado\u00a0Tema con variazioni<\/i>\u00a0.<\/span>\u00a0Tema e Varia\u00e7\u00f5es<\/i>\u00a0ainda s\u00e3o dan\u00e7ados independentemente dos outros tr\u00eas movimentos da\u00a0Tschaikovsky Suite No. 3<\/i>\u00a0por NYCB, bem como outras companhias.<\/span><\/div>\n
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\"Resultado<\/div>\n
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“Spartacus<\/b>“<\/i>\u00a0\u00e9 um\u00a0ballet\u00a0de\u00a0Aram Khachaturian\u00a0(1903-1978).<\/span>\u00a0O trabalho segue as fa\u00e7anhas de\u00a0Spartacus\u00a0, o l\u00edder do levante de\u00a0escravos\u00a0contra os\u00a0romanos\u00a0conhecido como a\u00a0Terceira Guerra Servil\u00a0, embora o enredo do ballet tome consider\u00e1veis \u200b\u200bliberdades com o registro hist\u00f3rico.<\/span>\u00a0Khachaturian comp\u00f4s Spartacus em 1954, e foi premiado com um Pr\u00eamio Lenin pela composi\u00e7\u00e3o no mesmo ano.<\/span>\u00a0<\/sup>Foi encenado pela primeira vez, com coreografia de\u00a0Leonid Yakobson\u00a0, em Leningrado em 1956,\u00a0<\/sup>\u00a0mas apenas com sucesso qualificado desde que Yakobson abandonou a\u00a0ponta<\/i>\u00a0convencional em sua coreografia.<\/span>\u00a0<\/sup>O ballet recebeu sua primeira encena\u00e7\u00e3o no\u00a0Teatro Bolshoi\u00a0, Moscou, em 1958, coreografado por\u00a0Igor Moiseyev\u00a0;<\/span>\u00a0no entanto, foi a produ\u00e7\u00e3o de 1968, coreografada por\u00a0Yury Grigorovich\u00a0, que obteve a maior aclama\u00e7\u00e3o pelo ballet.\u00a0<\/span>Continua sendo uma das obras mais conhecidas de Khachaturian e \u00e9 proeminente dentro dos repert\u00f3rios do Teatro Bolshoi e outras companhias de ballet naR\u00fassia\u00a0e na antiga\u00a0Uni\u00e3o Sovi\u00e9tica.<\/span><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

\"Resultado<\/p>\n

Adaptado da pe\u00e7a de William Shakespeare de mesmo nome, “Sonho de Uma Noite de Ver\u00e3o<\/strong>” \u00e9 um ballet em dois atos \u2013 a hist\u00f3ria se desenrola no primeiro e o segundo \u00e9 de divertimentos. A coreografia \u00e9 do c\u00e9lebre core\u00f3grafo George Balanchine, e a m\u00fasica \u00e9 de Felix Mendelssohn. Balanchine o estreou 1m 1962.<\/p>\n

O repert\u00f3rio n\u00e3o segue o padr\u00e3o da maioria dos ballets cl\u00e1ssicos (ao menos o primeiro ato). A hist\u00f3ria \u00e9 cheia de reviravoltas, tem muitos personagens e muitas dan\u00e7as de corpo de baile. Tit\u00e2nia e Oberon, personagens principais, dan\u00e7am poucas vezes juntos para um casal protagonista, o que torna a pe\u00e7a, artisticamente, incomum. Outra coisa que chama aten\u00e7\u00e3o \u00e9 que este ballet tem uma m\u00fasica cantada: trata-se da can\u00e7\u00e3o de ninar de Tit\u00e2nia (Titania\u2019s Lullaby), uma \u00f3pera, que as fadinhas da corte da rainha cantam para que ela adorme\u00e7a \u2013 e, no final das contas, acabe enfeiti\u00e7ada<\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

“Jewels<\/b>“<\/i> \u00e9 um ballet de tr\u00eas atos criado para o New York City Ballet pelo co-fundador e fundador do core\u00f3grafo George Balanchine .<\/span>\u00a0Ele estreou na quinta-feira, 13 de abril de 1967, no\u00a0New York State Theatre\u00a0, com cen\u00e1rios projetados por Peter Harvey e ilumina\u00e7\u00e3o de\u00a0Ronald Bates\u00a0.<\/span><\/p>\n

Jewels<\/i>\u00a0foi\u00a0<\/span>chamado\u00a0<\/span>o\u00a0<\/span>primeiro\u00a0<\/span>ballet\u00a0<\/span>abstrato\u00a0<\/span>de\u00a0<\/span>corpo\u00a0<\/span>inteiro.<\/span>\u00a0<\/sup>Tem\u00a0<\/span>tr\u00eas\u00a0<\/span>movimentos\u00a0<\/span>relacionados:\u00a0Esmeraldas<\/i>\u00a0,\u00a0Rubis<\/i>\u00a0e\u00a0Diamantes<\/i>\u00a0(geralmente separados por intervalos).<\/span>\u00a0Tamb\u00e9m pode ser visto como tr\u00eas ballets separados, ligados por seus trajes coloridos.<\/span>\u00a0Balanchine comentou: “O ballet n\u00e3o tem nada a ver com j\u00f3ias. Os dan\u00e7arinos est\u00e3o vestidos apenas como j\u00f3ias”.<\/span>\u00a0<\/sup>Cada um dos tr\u00eas atos apresenta a m\u00fasica de um compositor diferente:\u00a0Esmeraldas<\/i>\u00a0\u00e9 ambientado \u00e0 m\u00fasica de\u00a0Gabriel Faur\u00e9\u00a0,\u00a0Rubis<\/i>\u00a0\u00e0 m\u00fasica de\u00a0Igor Stravinsky\u00a0e\u00a0Diamantes<\/i>\u00a0\u00e0 m\u00fasica de\u00a0Pyotr Ilyich Tchaikovsky\u00a0.<\/span><\/p>\n

Os figurinos foram criados pela colaboradora de longa data de Balanchine,\u00a0Barbara Karinska\u00a0, que criou um visual distinto para cada ato diferente: saias de tule rom\u00e2nticas para as\u00a0esmeraldas<\/i>\u00a0, tecido que brilhou nos quadris de homens e mulheres em\u00a0Rubies<\/i> , e o apartamento , tutu cl\u00e1ssico do Ballet Imperial Russo para Diamantes<\/i>\u00a0.<\/span>\u00a0Os figurinos eram pe\u00e7as de arte t\u00e3o bem elaboradas que alguns deles foram exibidos em museus e em lobbies de teatro.<\/span>\u00a0At\u00e9 mesmo Claude Arpels, da Van Cleef & Arpels , que sugeriu a id\u00e9ia de um ballet baseado em gemas para o core\u00f3grafo, ficou impressionado com sua aten\u00e7\u00e3o em encontrar os melhores acabamentos que representassem com precis\u00e3o o verdadeiro brilho das genu\u00ednas gemas.<\/span>\u00a0Al\u00e9m disso, o trabalho meticuloso de Karinska \u00e9 creditado por fazer os figurinos durarem apesar do suor e do esfor\u00e7o de dan\u00e7ar neles.<\/span>\u00a0Seus desenhos, bordado e escolha em tecidos os tornavam dur\u00e1veis \u200b\u200be dan\u00e7antes, ilustrando que os corpos dentro dos trajes eram merecedores de seu maior respeito.<\/span>\u00a0Quando questionada sobre sua aten\u00e7\u00e3o a seus detalhes quase extravagantes, ela respondeu: “Costuro meninas e meninos que fazem minhas fantasias dan\u00e7arem; seus corpos merecem minhas roupas”.<\/span><\/p>\n

Na estr\u00e9ia na primavera de 1967, Mimi Paul dan\u00e7ou as partes da varia\u00e7\u00e3o Sicilienne e o Nocturne (“caminhada”)\u00a0pas de deux\u00a0em\u00a0Emerlands<\/i>\u00a0.<\/span>\u00a0Paul mais tarde passou a treinar outros dan\u00e7arinos da pe\u00e7a, incluindo\u00a0Sara Mearns\u00a0.<\/span><\/p>\n

\"Resultado<\/p>\n

“Carmen<\/b>”\u00a0<\/i>\u00e9 um ballet de um ato criado em 1967 pelo core\u00f3grafo cubano\u00a0Alberto Alonso\u00a0para m\u00fasica do compositor russo\u00a0Rodion Shchedrin\u00a0para sua esposa, a prima ballerina assoluta Maya Plisetskaya\u00a0.<\/span>\u00a0A estr\u00e9ia aconteceu em 20 de abril de 1967 no\u00a0Teatro Bolshoi\u00a0, em Moscou.<\/span>\u00a0A m\u00fasica, tirada da \u00f3pera\u00a0Carmen<\/i>\u00a0de\u00a0Georges Bizet\u00a0e organizada para cordas e percuss\u00e3o, n\u00e3o \u00e9 um\u00a0pastiche do\u00a0s\u00e9culo XIX, mas sim “um encontro criativo das mentes”, como diz Shchedrin, com as melodias de Bizet recheadas em uma variedade de novas cores instrumentais (incluindo o uso frequente de percuss\u00e3o), ajustadas a novos ritmos e muitas vezes expressas com grande perspic\u00e1cia.<\/span>\u00a0Inicialmente banido pela hierarquia sovi\u00e9tica como “desrespeitoso” para a \u00f3pera precisamente por essas qualidades, o ballet se tornou a obra mais conhecida de Shchedrin e se manteve popular no Ocidente pelo que James Sanderson chama de “releitura iconoclasta, mas muito divertida de Bizet”.<\/span><\/div>\n

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OBS: Sabemos que muitos dos Ballets de Balanchine n\u00e3o entram na classifica\u00e7\u00e3o de repert\u00f3rio<\/strong>, justamente por n\u00e3o contarem uma hist\u00f3ria, mas inclu\u00ed nesse post pela sua import\u00e2ncia. Tamb\u00e9m houveram ballets que n\u00e3o foram inclu\u00eddos, pois s\u00e3o tantos que n\u00e3o teria como escrever sobre todos. Aos poucos eu vou escrevendo posts mais espec\u00edficos sobre cada ballet.<\/p>\n

O de hoje eu acabo por aqui. Depois disso tudo, eu quero saber: qual o ballet de repert\u00f3rio preferido de vcs? Comenta aqui em baixo e compartilha comigo!!!<\/p>\n

O meu favorito \u00e9 Don Quixote!!! Eu AMO ballets com m\u00fasica forte, AMO a varia\u00e7\u00e3o de Kitri, os figurinos…<\/p>\n

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At\u00e9 o pr\u00f3ximo post!!!<\/p>\n

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Minhas fontes:<\/p>\n