Olá bailarinas e bailarinos que acompanham o Tutu da Ju!

O post de hoje vai ser sobre Ballet de Repertório, contando um pouco do que é e de como ele surgiu.

Eu já contei em um post anterior sobre a história do ballet desde os primórdios até o século XX, então pulemos essa parte para que o post não fique maior do que já está.

Sabemos que os ballets de repertório datam em sua maioria dos anos 1800 e que são dançados até hoje por diversas companhias em diversas versões, mas vcs sabem qual foi o primeiro ballet repertório? Como isso começou e quem começou a idealizá-los? É sobre isso que vamos falar aqui! Contando quando cada ballet de repertório foi criado e não falaremos aqui sobre qual é o enredo de cada um. Deixemos isso para posts posteriores.

 

Foi no século XVIII, após termos começado a formalizar grande parte da terminologia especializada para os saltos, giros, posições e outros movimentos associados ao ballet, que se começa a surgir o que se conhece por ballet de repertório. A França tinha se tornado o centro predominante para o ballet. A terminologia francesa tornou-se a forma padrão. Assim, o século XVIII padronizou termos como “pas de deux”, “pirouette”, “entrechats”, “fondue”, “fouetté”, “jeté”, “plié”, “relevé” e “tombé”.

Então, durante o século XVIII, houve um afastamento dos “ballets à entrée” que eram apenas um monte de peças de teatro não relacionadas e muitas vezes presas no meio de uma ópera e um movimento para o que chamava de ballet de ação (“ballet d`action”), o que hoje é conhecido por “Ballet de Repertório”, um ballet unificado que realmente conta uma história completa. E em vez de ser apenas fachada para uma ópera ou alguma outra forma musical, muitas vezes com palavras, os ballets estavam começando a deixar de ser falados.

Os ballets de repertório podem ser divididos em atos – é uma convenção que significa basicamente uma interrupção do ballet – e costumam ter a seguinte estrutura: coreografias do corpo de baile (que são os bailarinos que dançam em conjunto), as variações das solitas, as variações dos primeiros bailarinos (quem interpretam e dançam os papéis principais do ballet) e os pas de deux e grand pas de deux.

Dois mestres de ballet rivais ajudaram a defender o“ballet d`action” nos anos 1750 e 60, Gaspero Angiolini e Jean-Georges Noverre. Eles discutiram às vezes sobre quem pensou nisso primeiro, mas na verdade foi a duquesa do Maine. Mas de qualquer forma foram os dois que desenvolveram o“ballet d`action”.

Noverre foi um dos grandes por ajudar a simplificar trajes de dança. Ele disse que os dançarinos deveriam se livrar de saias volumosas, sapatos com saltos e fivelas grandes e qualquer outra coisa que atrapalhasse a expressão do movimento físico. Na década de 1770, os dançarinos deixaram de usar máscaras e perucas, seus trajes tornaram-se muito menos pesados e extravagantes, as saias mais curtas e mais soltas, e sobre todas as coisas pareciam muito bem com os ballets “antiquados” de hoje.

Então, em 1789, mesmo ano de início da Revolução Francesa, temos a estreia do Primeiro Ballet de Repertório: “La File Mal Gardée“. Este ballet foi produzido e coreografado por Jean Dauberval, um coreógrafo importante do século XVIII, que foi aluno de Noverre (na História tudo se conecta e isso é incrível!!!). Este ballet, que foi o primeiro ballet de repertório da história, foi um ballet pré-romântico que Jean Dauberval aproveita das lições de seu mestre Noverre para criar uma história em que há a identificação das classes sociais nos personagens, o uso da pantomima tão valorizada por seu mestre e um ballet que conta verdadeiramente uma história, que não é só uma sequencia de passos de danças. Além disso, todos os personagens participam do enredo e se consegue perceber verdadeiramente seu enredo e as emoções de cada personagens apenas com a coreografia, gestos e expressões. O ballet passa, então, a ser uma arte independente das demais e passa a não ter mais canções e falas como outrora. Além disso, foi no mesmo ano da Revolução Francesa (1789), um movimento impulsionado pela burguesia. Esta classe social passa, então a frenquentar mais ballets (que deixam de ser “coisas da elite”) e passa a se identificar nos personagens das histórias do ballet.

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A partir de então, começaram a surgir diversos outros ballets de repertório. O ballet que marca o início da Era Romântica do Ballet foi “La Sylphide“, concebido e coreografado por Philippe Taglioni para sua filha, Marie Taglioni, tendo sua estreia em março de 1832. Foi o primeiro ballet de repertório a ser dançado nas pontas e que consagrou Marie Taglioni como uma grande bailarina. Infelizmente nem a coreografia nem a música dessa produção sobreviveu. A versão que você pode ver dançada hoje é do Royal Danish Ballet em 1836, com coreografia de Bournonville. Este ballet tinha criaturas míticas, que eram as fadas. Posteriormente, quando Marie Taglioni já havia se aposentado, ela começou a treinar outra bailarina para o mesmo papel, Emma Livry, que posteriormente morreu em decorrência das queimaduras.

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O próximo ballet de repertório foi Giselle, primeiro dançado em 1841, com música de Adolphe Adam e coreografado por Jean Coralli e Jules Perrot. Perrot, ele próprio um excelente dançarino romântico, era o amante da bailarina principal deste ballet Carlotta Grisi. Este ballet conta com criaturas assombrosas – uma faceta do Romantismo – as Willis, que aparecem no Segundo Ato.

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Perrot também concebeu o ballet “La Esmeralda“, baseado no romance Notre-Dame de Paris de Victor Hugo, que teve sua estreia em março de 1844. Carlota Grisi mais uma vez dançou no papel principal. Este ballet, como não poderia deixar de ser, tem pitadas de amor utópico e um certo drama, outras característica do Romantismo.

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Outra obra coreografada por Jules Perrot foi o “Pas de quatre“, produzido por Benjamin Lumley e dançado pelas quatro mais famosas bailarinas da época: Marie Taglioni, Carlota Grisi (mais uma vez num ballet de Perrot – que bailarina não gostaria de ter tantos ballets feito especialmente para vc?), Fanny Cerrito e Lucile Grahn. Como você pode imaginar, o potencial para confrontos entre egos e rivalidade era grande. As outras três bailarinas concordaram graciosamente que o último solo, o lugar de honra, deveria ir para Taglioni. Mas elas estavam brigando por quem mais deveria dançar por último, pouco antes dela. Lumley resolveu o problema dizendo a Perrot que as dançarinas apareceriam por ordem de sua idade, com a mais velha dançando por último. Por alguma razão, todas elas pararam de brigar depois disso.

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O próximo ballet de repertório, seguindo a ordem cronológica, foi “Paquita”, com sua estréia na Ópera de Paris em 1 de abril de 1846, criado por Joseph Mazilier e Paul Foucher, com música de Édouard Deldevez e Ludwig Minkus. Paquita sempre faz sucesso devido, principalmente, as suas alegres danças espanholas. Em 1847 Marius Petipa criou uma nova versão para Paquita em Saint-Petersburgo no Teatro Bolshoi Kamenny da Rússia.

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Em 24 de janeiro 1858, temos o ballet “O Corsário”, baseado no poema de Lord Byron, com música de Adolphe Adam (com peças adicionais) e coreografias de Marius Petipa, depois de Joseph Mazilier e Jules Perrot. Essa é a versão conhecida hoje que foi criada posteriormente à primeira versão russa do ballet e foi dançada primeiro no Teatro Imperial Bolshoi Kamenny (atual Teatro Bolshoi), e foi criado especialmente para a bailarina Ekaterina Friedbürg, estrelando também o jovem Marius Petipa como Conrad. Pouco se sabe que mas Petipa começou a idealizar sua versão do ballet nessa época, quando ganhou de Perrot carta branca para coreografar algumas danças, como o “Pas des Éventails”, do I Ato. Ao longo de sua longa carreira como maître, Petipa recriou Le Corsaire em quatro ocasiões. A primeira, foi um presente à sua esposa, a Prima Ballerina Maria Surovshchikova-Petipa, com o Danseur Cristhian Johansson como Conrad, em 1863. Para essa versão, Petipa trabalhou em conjuto com o compositor Cesare Pugni, que revisou a partitura original de Adam e incluiu muito material adicional, comum nas versões atuais do ballet.

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Também coreografado por Petipá, “A Filha do Faraó“, foi um ballet criado em 1862 para o Kirov. Foi um de seus primeiros ballets, mas, com o tempo, ele ficou esquecido. Em 2000, Pierre Lacotte decidiu remontá-lo e o Bolshoi foi a casa que recebeu a nova coreografia. A Filha do Faraó fez grande sucesso na Rússia pelo menos até cinqüenta anos depois de sua estréia em 1862.
Foi um dos primeiros ballets de repertório de Petipa. No entanto, apesar disso, ele foi retirado dos repertórios por determinação do governo soviético, que, aparentemente, não gostava de um subtema do ballet: o poder autocrático dos faraós.

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Um outro ballet de Petipá foi “Don Quixote“, baseado em episódios retirados do famoso romance “Don Quixote de la Mancha” de Miguel de Cervantes . Foi originalmente coreografado por Marius Petipa para a música de Ludwig Minkus e apresentado pela primeira vez pelo Ballet do Teatro Imperial Bolshoi de Moscou, Rússia em 26 de dezembro de 1869. Petipa e Minkus revisaram o ballet em um muito mais expandido e edição elaborada em cinco atos e onze cenas para o Ballet Imperial , apresentado pela primeira vez em 21 de novembro de 1871 no Teatro Imperial Bolshoi Kamenny de São Petersburgo . Todas as produções modernas do ballet Petipa / Minkus são derivadas da versão encenada por Alexander Gorsky para o Teatro Bolshoi de Moscou em 1900, uma produção que o mestre de ballet encenou para o Ballet Imperial de São Petersburgo em 1902.

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O próximo ballet de repertório (1870) e que também veio a se tornar bastante famoso foi “Coppélia“, com música de Léo Delibes e coreografia de Arthur Saint-Léon. Assim como outros ballets românticos, tinha elementos mágicos, mas não tão mórbidos quanto “La Sylphide” ou “Giselle”. Pelo menos, ninguém morre nesta história. Baseado num conto do escritor alemão E.T.A Hoffmann, Coppélia tem personagens que lembram “Pinocchio”.  Como título, Coppélia é considerado menos estranho do que sua alternativa, “La Fille aux Yeux d’Email” (A menina com os olhos de esmalte). Coppélia foi um grande sucesso desde a sua estreia, embora tenha começado de forma difícil. O libretista, Charles Nuitter, queria a jovem bailarina Léontine Beaugard no papel-título, mas a direção do teatro decidiu usar um “nome” e importou a bailarina russa Adèle Grantsova. Mas depois que os ensaios se arrastaram por muito tempo, Grantsova foi para casa e o papel foi para a jovem italiana Giuseppina Bozzacchi. Ela estreou o papel em 1870, mas depois a guerra franco-prussiana eclodiu e ela morreu de febre tifóide em seu 17º aniversário, o que dificilmente parece justo. (O próprio Saint-Léon morreu em seguida de exaustão. Mas pelo menos não era seu aniversário) Beaugard teve sua chance no papel em uma nova apresentação em 1871 e ela foi um grande sucesso.

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Léo Delibes também escreveu e compôs a música de um outro ballet, “Sylvia” ou “La nymphe de Diane”. Foi primeiro coreografado por Louis Mérante em 1876. Sylvia é um ballet clássico típico em muitos aspectos, mas tem muitos características interessantes que o tornam único. Sylvia é notável por seu cenário mitológico da Arcádia , coreografias criativas, conjuntos expansivos e, acima de tudo, sua pontuação notável. As origens do ballet estão na peça Aminta de 1573, de Tasso , que fornece o enredo básico do trabalho de Delibes. Jules Barbier e Baron de Reinach adaptaram isso para a Ópera de Paris . O arranjo para piano foi composto em 1876 e a suíte orquestral foi feita em 1880. Quando Sylvia estreou na quarta-feira, 14 de junho de 1876, no Palais Garnier , passou quase despercebida. De fato, as sete primeiras produções de Sylvia não tiveram sucesso comercial. Foi o renascimento de 1952, coreografado por Sir Frederick Ashton , que popularizou o ballet. O sucesso de Ashton preparou o palco para as produções de 1997, 2004, 2005 e 2009, todas baseadas em sua coreografia de 1952. Sylvia, ou a ninfa de Diane , como foi originalmente intitulado, foi o primeiro ballet a ser exibido na recém-construída Ópera Garnier e o fez com extravagância. Esta abordagem revelou-se por vezes excessiva. O cenário luxuoso de Jules Chéret era pouco iluminado, prejudicando a qualidade da produção. Os trajes desenhados por Lacoste foram bem apreciados, no entanto. No final, foi a pontuação de Delibes que salvou a produção. Sem essa música altamente estimada, o ballet logo teria caído na obscuridade. Aos 27 anos, Rita Sangalli era a principal bailarina da Opéra e, portanto, a escolha óbvia para atuar como Sylvia. Sangalli foi descrito como tendo um “físico excelente”, mas não habilidades de dança espetaculares. No entanto, ela era a única bailarina que ensinava o papel, e em uma ocasião o ballet teve que ser temporariamente fechado quando ela se machucou.

No século XIX o ballet na França estava perdendo o seu espaço, mas nem tudo estava perdido. Na Rússia, foram tomadas medidas importantes, e então o compositor Pyotr Tchaikovsky ajudou a salvar o ballet.  uma maravilha que Tchaikovsky encontrou tempo para escrever qualquer ballet. Ele compôs várias sinfonias, cerca de oito óperas, a “abertura de fantasia” Romeu e Julieta, a 1812 Overture, alguns concertos de piano e toda uma série de músicas menores aqui e ali.

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No momento em que Tchaikovsky veio no século XIX, a Rússia estabeleceu uma reputação indescritível para o desempenho do ballet, tanto em São Petersburgo no Teatro Maryinsky quanto em menor grau, no Teatro Bolshoi de Moscou. Foi o Bolshoi que o contratou para escrever um novo ballet, baseado em uma lenda alemã, O Lago dos Cisnes. Nunca tendo escrito um ballet e ansioso para tentar uma nova forma de expressão, Tchaikovsky aceitou o desafio. Profissionalmente, as coisas iam cada vez melhores para Tchaikovsky. Seus trabalhos estavam ganhando maior aceitação. Na frente do ballet, as coisas pareciam muito melhores. O Bolshoi de Moscou encomendou o Lago dos Cisnes em 1894 e teve seu desempenho de estréia em uma versão menor naquele ano. A estreia do Bolshoi do Lago do Cisnes em 1877 não foi particularmente bem. Mas não foi culpa de Tchaikovsky. O maestro era um amador de categoria que não sabia o que estava fazendo. E o papel principal de Odette, o cisne branco, deveria ter ido para a principal bailarina da companhia, mas para as primeiras noites foi para a sua rival menos talentosa. E como se tudo não estivesse suficientemente ruim, os críticos odiavam porque a história original era alemã e, portanto, não era russo o suficiente. Mas as coisas ficaram muito melhores depois, quando Marius Petipa apanhou o Lago dos Cisnes em 1895 e o recoreografou para a versão que podemos ver hoje. Na produção original, Odette e Odile eram duas bailarinas diferentes, mas na de Petipa era para que a mesma bailarina dançasse os dois papéis – tornando toda a identidade equivocada Odette / Odile muito mais convincente. Foi a bailarina italiana Pierina Legnani que primeiro dançou o papel duplo Odette / Odile para Petipa, e foi ela quem primeiro dançou os agora famosos 32 fouettés. Desde então, o papel passou a se tornar grande esforço para exibir o talento de uma longa fila de bailarinas russas. Ironicamente, embora tenha sido uma de suas obras mais famosas e mais amadas, Tchaikovsky  nunca viveu para ver uma produção completa do Lago dos Cisnes. Desde a desastrosa estréia, que não foi a versão completa de qualquer maneira, tudo o que ele viu foram pedaços.

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 O próximo ballet de repertório, “La Bayadère”, é um ballet , originalmente encenado em quatro atos e sete quadros do coreógrafo francês Marius Petipa e música de Ludwig Minkus . O ballet foi encenado especialmente para o espetáculo beneficente da primma ballerina russa Ekaterina Vazem , que criou o papel principal de Nikiya. La Bayadère foi apresentado pela primeira vez pelo Ballet Imperial no Teatro Imperial Bolshoi Kamenny em São Petersburgo , Rússia , em 4 de fevereiro de 1877. Desde a primeira apresentação, o ballet foi universalmente saudado pelos críticos contemporâneos como um dos coreógrafos de Petipa. Obras-primas supremos, particularmente a cena do ballet conhecido como O Reino das Sombras , que se tornou uma das peças mais célebres de todo o ballet clássico. Na virada do século XX, a cena do Reino das Sombras era regularmente extraída do trabalho completo como uma peça final independente, e permaneceu assim até os dias atuais. Quase todas as versões modernas de La Bayadère são derivadas da produção do Kirov Ballet de 1941, que foi uma edição severamente redigida por Vakhtang Chabukiani e Vladimir Ponomarev em Leningrado em 1941.

Petipa passou quase seis meses encenando La Bayadère . Durante os ensaios, Petipa colidiu com a Prima Ballerina Vazem sobre a questão de sua entrada no Grand Pas d’action final do ballet, enquanto também experimentava muitos problemas com os cenógrafos que construíam os elaborados efeitos de palco do ballet. Petipa também temia que seu novo trabalho tocasse em uma casa vazia, já que o diretor do Teatro Imperial, o barão Karl Kister, aumentou os preços dos ingressos para um valor superior ao da ópera italiana, que na época era cara. A passagem mais célebre e duradoura de La Bayadère foi a cena de grande visão de Petipa conhecida como O Reino das Sombras . Petipa encenou esta cena como um Grand Pas Classique , completamente desprovido de qualquer ação dramática. Sua coreografia simples e acadêmica se tornaria uma de suas composições mais célebres, com o Sortie des Bayadères dos trinta e dois integrantes do Corpo de Baile de Sombras tornando-se a sua mais célebre composição de todas.

A revitalização final de La Bayadère de Petipa foi dada pela primeira vez em 15 de dezembro de 1900, especialmente para a dupla performance do primeiro danseur Pavel Gerdt do Imperial Theatre e da bailarina Prima Mathilde Kschessinskaya . Entre as mudanças de Petipa para este reavivamento foi o re-estabelecimento da cena O Reino das Sombras de um castelo encantado no céu em um palco totalmente iluminado, para um cenário escuro e rochoso nos picos do Himalaia . Petipa aumentou o número de dançarinos no corpo de baile de trinta e dois para quarenta e oito, tornando a ilusão de espíritos descendentes ainda mais eficaz na famosa Sortie des bayadères .

Em março de 1903, a cena O Reino das Sombras foi realizada de forma independente durante uma apresentação de gala no Palácio de Peterhof em homenagem a uma visita de estado do Kaiser Wilhelm II . Esta é a primeira ocasião conhecida em que a cena O Reino das Sombras foi apresentada como uma peça de concerto independente.

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O talismã é um fantástico ballet em 4 Atos-7 Cenas, com coreografia de Marius Petipa e música de Riccardo Drigo . Libreto de Konstantin Augustovich Tarnovsky e Marius Petipa. Foi estreada em 6 de fevereiro de 1889 no Imperial Mariinsky Theatre em São Petersburgo, na Rússia. Teve como bailarinos principais – Elena Cornalba (como Niriti, filha da Rainha dos Deuses), Enrico Cecchetti (como Vayou, o Deus do vento), e Pavel Gerdt (como Noureddin). Este ballet deu origem ao chamado Talisman Pas de Deux , que hoje é dançado por muitas companhias de ballet.

Este ballet teve lugar na antiga Índia e teve um sucesso medíocre na sua estreia. A principal atração dos balletomanes e dos críticos foi a partitura de Drigo, que causou sensação, e até levou Petipa a exclamar: “Eu deveria ter tido a orquestra tocando no palco e os dançarinos se apresentando na arena!” . O artista Alexander Benois contou em suas memórias (intitulado Mémoirs ) de sua extrema satisfação com a partitura de Drigo, que segundo ele inspirou uma “paixão curta” nele como jovem estudante na Universidade Estadual de São Petersburgo.

A remontagem de Petipa de 1895 foi um sucesso retumbante, e até mesmo provou ser mais popular entre o público de São Petersburgo que o dele e Lev Ivanov renascimento do lendário de “Swan Lake” , que foi apresentado pela primeira vez no início do mesmo ano. Nikolai Legat o renascimento de 1909, para o qual Drigo completamente remodelado sua pontuação original, foi muito bem sucedida. A primeira apresentação foi dado em homenagem ao aniversário de casamento treze do czar Nicolau II e Alexandra Feodorovna imperatriz , que participou da première com toda a família imperial. O público também incluiu muitos membros da nobreza de São Petersburgo. Avivamento Legat permaneceu no repertório do Ballet Imperial até pouco antes da revolução de outubro de 1917.

Em 1997, o coreógrafo Paulo Chalmers encenou uma remontagem de O Talismã para o Ballet Arena de Verona , Itália . Ele foi montado de modo a coincidir com uma conferência realizada em honra do 150 º aniversário do nascimento de Riccardo Drigo, e também foi realizada em sua cidade natal de Pádua .

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Tchaikovsky juntou-se novamente com Petipa para um próximo ballet, “A Bela Adormecida”, baseado no clássico conto de fadas, que ele começou a escrever em 1888 e que teve sua estréia no Teatro Maryinsky, em São Petersburgo, no dia 5 de janeiro 1890. Foi baseado no contos de fadas do escritor francês Charles Perrault. A Bela Adormecida, sem dúvida, foi a grande obra que marcou o apogeu da Rússia dos Czares, além de ser o grande sucesso de Tchaikovsky em vida (O Lago dos Cisnes parece ter superado A Bela Adormecida em sucesso, mas isso aconteceu somente depois da morte do compositor). A ambientação da obra, em castelos reais, com personagens grandiosos e fantásticos, marca a força da Rússia na época. A produção da obra foi feita em conjunto pelo coreógrafo, figurinista e o compositor, por isso o resultado é uma integração tão perfeita entre os três elementos. São características especiais da obra as variações muito ricas em técnica, especialmente a da Fada Lilás, que Petipa construiu para sua filha, Marie Mariusovna Petipa. Outra curiosidade é que a fada do mal, Carabosse, costuma ser apresentada por um homem, provavelmente para ficar mais grosseira e pesada. A grandeza da obra fez com que três dos seus Grand Pas-de-Deux se tornassem independentes, sendo apresentados por grandes bailarinos de todo o mundo em espetáculos de gala, sem o resto do ballet.

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Sem dúvida, o mais conhecido e mais popular dos ballets de Tchaikovsky é o terceiro e o último, O Quebra-nozes. Ironicamente, na verdade, já que era um que ele não queria particularmente escrever.  Ivan Vsevolozhsky, diretor dos Teatros Imperiais e o mesmo cara que encomendara a Bela Adormecida, queria um novo ballet. Mas Tchaikovsky estava mais interessado em escrever uma nova ópera, Iolanta. Acabou sendo um pacote – Tchaikovsky negociou o novo ballet como parte de um projeto duplo com a nova ópera. Ele achava que a ópera ia ser um grande sucesso, mas ele estava errado lá. Gilbert e Sullivan tiveram muito mais sorte com sua opereta Iolanthe. Título similar – história totalmente diferente. Demorou cerca de um mês para que Tchaikovsky esboçasse a música de O Quebra-Nozes em junho de 1892, mas demorou muitos meses depois daquela negociação. O enredo vem da história “O Quebra-Nozes e o Rei-Rato” de E.T.A Hoffmann, que também forneceu a história para Coppélia. Tchaikovsky não gostou muito – pensava que era muito bobo e, para a história de uma criança, não dava muito para as crianças fazerem – mas mesmo assim ele escreveu uma música maravilhosa para este ballet.

Desde então, o Quebra-nozes, com seu peixinho dançante e suas flores e fadas açucaradas, tornou-se um eterno favorito – tanto uma parte da tradição natalina para muitas pessoas, como o presépio do Papai Noel e as festas de final de ano. O Quebra-nozes tornou-se um favorito perpétuo em todo o mundo e as companhias de ballet em todo o mundo, grandes e pequenas, fazem produções todos os anos, da mesma forma.

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O próximo ballet foi Raymonda escrito por Lydia Pashkova e Marius Petipá, coreografado por Marius Petipá e música de Alexander Glazunov. Teve sua estreia mundial em 19 de Janeiro de 1898, no Teatro Maryinski em São Petersburgo, Rússia. Contou com Pavel Gerdt, como Abderakhman, Pierina Legnani, como Raymonda e Sergei Legat como Jean de Brienne. O ballet foi criado especialmente para o espetáculo beneficente da bailarina italiana Pierina Legnani , que criou o papel-título. Entre as passagens mais célebres do ballet está o Pas classique hongrois (também conhecido como Raymonda Pas de dix ) do terceiro ato, que muitas vezes é realizado independentemente.

Hoje Raymonda é realizado por muitas companhias de ballet em todo o mundo com coreografias derivadas principalmente do renascimento de 1948 do Kirov Ballet , encenado por Konstantin Sergeyev . Sergeyev alterou muito, e em alguns casos mudou completamente, a coreografia de Marius Petipa, particularmente nas danças para o corpo de baile . A coreografia revisada por Sergeyev continua sendo o texto tradicional para a maioria das produções mundiais de Raymonda , entre elas a versão de Rudolf Nureyev para o Paris Opéra Ballet e a versão de Anna-Marie Homes para o American Ballet Theatre , respectivamente.

A coreografia e mise-en-scène da produção original do Ballet Imperial de Raymonda , encenada em 1898, foi gravada no método de performances estrelando a renomada bailarina russa Olga Preobrajenskaya no papel-título. Hoje, essa notação faz parte da coleção Sergeyev da Universidade de Harvard . Em 2011, Sergei Vikharev utilizou esta notação para realizar uma reconstrução quase total da produção original de 1898 de Raymonda para o Teatro alla Scala .

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Cinderela é um ballet-féerie (um ballet conto de fadas) em três atos, com a coreografia de Enrico Cecchetti (Atos I e III) e Lev Ivanov (Ato II), supervisionada por Marius Petipa . A música é do barão Boris Fitinhoff-Schell ; o libreto é de Lidia Pashkova e Ivan Vsevolozhsky . Foi apresentado pela primeira vez pelo Ballet Imperial em 17 de dezembro de 1893 no Imperial Mariinsky Theatre em São Petersburgo , Império Russo . Embora o libreto deste trabalho tenha sido muito criticado pelos críticos e balletomanes de São Petersburgo por dar mais ênfase ao espetáculo do que ao drama e à narração de histórias, a produção foi um enorme sucesso devido à esmagadora ovação dada à bailarina italiana Pierina Legnani em o papel do título. A estréia de Legnani na noite de estreia da Cinderela causou sensação na platéia do Teatro Mariinsky, e ela foi universalmente elogiada pelos críticos de São Petersburgo, com o crítico do Peterburgskaya Gazeta relatando que sua dança alcançou um nível de “… perfeição sem precedentes. 

A estréia de Cinderela tem a distinção de ser a primeira apresentação de um balé na Rússia para apresentar uma bailarina que executa 32 fouettés en tournant consecutivos, que foi executada por Pierina Legnani no papel-título. O historiador de balé Konstantin Skalkovsky , que serviu como crítico de dança para o Peterburgskaya gazeta na virada do século 20, relatou o feito de Legnani: “… no último ato Legnani se superou positivamente. Quando Emma Bessone dançou a liderança em” The Haarlem Tulip “ela fez 14 fouettés. Em sua variação Legnani realizou 32 deles sem parar, e sem viajar uma polegada! O público aplaudiu com prazer a bailarina e obrigou-a a repetir essa variação também. Na repetição, no entanto, fez 28 fouettés. Contá-los tornou-se a ocupação favorita do público “.

Cinderela foi posteriormente encenada para o Teatro Bolshoi de Moscou por Lev Ivanov, com a primeira apresentação em 31 de julho de 1898. Ivanov supervisionou uma revivificação do segundo ato para o desempenho de despedida de Pierina Legnani em 5 de fevereiro 23 de janeiro de 1901. Esta seria a última apresentação de qualquer parte do ballet.

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Les Sylphides ou Chopiniana é um ballet em um ato, criado para os Ballets Russes de Serguei Diaghilev. Baseado em obras do músico Frédéric Chopin, coreografado por Michel Fokine e com cenários de Alexandre Benois. Foi encenado pela primeira vez em 2 de junho de 1909 no Théâtre du Châtelet em Paris.

Les Sylphides alguma vezes é confundido com outro ballet denominado La Sylphide . De nome parecido e com o mesmo tema que é a invocação das figuras mitológicas das sílfides, a semelhança para por aí. São ballets bem distintos, com músicas, coreografias, cenário e criação realizadas por pessoas diferentes.

Em 1907, Mikhail Fokine coreografou uma música de Chopin – opus 64, nº 2 – para uma apresentação beneficente e convidou a bailarina russa Anna Pavlova dançá-la. Em 1908, para uma outra noite beneficente, ele coreografou uma mazurka e uma valsa de Chopin e deu o nome de Danses sur la Musique de Chopin para a apresentação, agora para um corpo de baile.

A idéia tomou forma e Fokine juntou outras músicas de Chopin e com orquestração de Alexander Glazunov e cenários e iluminação de Alexandre Benois, lançou o ballet que denominou Chopiniana no dia 19 de fevereiro de 1909 no Teatro Mariinski em São Petersburgo. Os bailarinos desta apresentação foram Tamara Karsavina, Nijinsky, Anna Pavlova e Alexandra Baldina. Serguei Diaghilev assistiu, gostou e propôs que fosse apresentado em Paris, em seus Ballets Russes. Sugeriu que se acrecentassem mais músicas e trocou o seu nome para Les Sylphides.

Como Les Sylphides a estréia se deu em 2 de junho de 1909 no Teatro de Châtelet em Paris, produzida por Serguei Diaghilev para os Ballets Russes. Os bailarinos desta apresentação foram os mesmos da apresentação da Chopiniana. Os costumes e cenários foram também de Alexandre Benois.

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Scheherazade (ou Sheherazade), é uma suíte sinfônica composta por Nikolai Rimsky-Korsakov em 1888. Baseado no livro das Mil e Uma Noites, este trabalho orquestral combina duas características comuns seja à música russa seja à de Rimsky-Korsakov: o colorido da orquestração e um interesse pelo Oriente, sempre muito presente na história da Rússia imperial. É considerada a obra mais popular de Rimsky-Korsakov. Em 1910, Michel Fokine utilizou a música para um ballet, no qual participaram Vaslav Nijinski, em um dos papéis principais, e Leon Bakst, na preparação do figurino e cenário

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Em 1910 tivemos a estreia mundial de um novo ballet: “O pássaro de fogo” (“Firebird”), coreografado por Michel Fokine, que foi um bailarino do Imperial Ballet antes de se tornar um grande coreógrafo. Este ballet causou uma sensação na temporada de 1910 em Paris. Dois bailarinos, Anna Pavlova e Vaslav Nijinsky, ambos treinados no Imperial Ballet em São Petersburgo, se juntaram ao “Ballet Russes” de Diaghilev nos primeiros dias e passaram a se tornar dois dos maiores bailarinos que o mundo do ballet já viu.
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Após o Passáro de Fogo, Nijinsky também dançou no próximo trabalho de Stravinsky, em 1911, Petrushka, que não era exclusivamente um ballet, mas um trabalho de palco com movimento e dança. Começou como um concerto para piano, mas Diaghilev logo resolveu isso. Vaslav Nijinski encarnou Petrouchka, Tamara Karsavina,  a Bailarina, Alexandre Orlov fazia o Mouro e Enrico Cecchetti, O Charlatão. Em sua estréia e até mesmo em performances posteriores, críticas e públicos também não sabiam o que fazer com isso. O que começou naquela noite, em Paris, em 1913, como meros chefes e assobios da audiência logo se desenvolveram em uma tumultada em grande escala nos assentos, com pessoas batendo e se perfurando, gritando, derrubando os assentos.
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“O despertar de um fauno” (“L’après-midi d’un faune”) é um ballet, inicialmente coreografado por Vaslav Nijinski para os Ballets Russes, tendo por fundo o “Prélude à l’après-midi d’un Faune” de Claude Debussy, e que recebeu posteriormente duas outras coreografias. Todas têm por base o poema “L’après-midi d’un faune”, do poeta francês Stéphane Mallarmé. A primeira apresentação do balé deu-se no Théâtre du Châtelet, em Paris, no dia 29 de maio de 1912, e o próprio Nijinski dançou o papel principal. Além da cena descrita no poema de Mallarmé, uma pequena centa introdutória foi acrescida. L’après-midi d’un faune foi coreografado, em 1953 por Jerome Robbins, no City Center of Music and Drama de Nova Iorque. Teve cenografia e iluminação por Jean Rosenthal, e figurino de Irene Sharaff. A terceira versão usou materiais diferentes dos de Nijinski, e foi feita pelo coreógrafo Tim Rushton, estreando em fevereiro de 2006 no Orange County Performing Arts Center, em Costa Mesa, Califórnia.
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Le Sacre du printemps (A Sagração da Primavera), com o sub-título de Quadros da Rússia pagã em duas partes, é um ballet composto por Igor Stravinsky e coreografado originalmente por Vaslav Nijinsky. A concepção de cenografia e os figurinos foram de Nicholas Roerich. O ballet foi produzido por Sergei Diaghilev para a sua companhia de Ballets Russes, tendo estreado no Teatro dos Campos Elísios de Paris, em 29 de maio de 1913. O ballet chegou a ser chamado de o “Massacre du Printemps“.  Desde o momento de sua abertura, com um fagote solitário absurdamente alto em seu registro, você pode ouvir que você está em algo incomum. E isso antes de todas as coisas rítmicas e sensuais. A música nunca foi a mesma desde então.

O que começou naquela noite de maio em Paris em 1913, quando meras vaias e assovios da platéia logo se transformaram em tumulto em grande escala nos assentos, com pessoas batendo e socando umas as outras, gritando, rasgando os assentos e geralmente se comportando como o público adolescente em um show punk (Stravinsky estava obviamente à frente de seu tempo). Tentando acalmar a multidão, Diaghilev mandou os assistentes de palco acenderem as luzes, mas talvez isso só tenha deixado eles mais irritados.

Ironicamente, em pouco tempo o público estava fazendo tanto barulho que eles não poderiam ter ouvido a música de qualquer maneira, mas até então as coisas ficaram bem e verdadeiramente fora de mão. O pobre Nijinsky, que coreografou o trabalho além de dançar nele, teve de recorrer a bater os pés e gritar números de batidas, tentando manter os dançarinos juntos. Foi uma causa perdida. Os ritmos no Le Sacre são realmente complicados. Há pedaços no movimento final, Danse Sacrale, onde o próprio Stravinsky, sempre que o conduzia, arrotava baixinho, só para seguir em frente. Claro, não foi apenas a música que deixou o público tão irritado – foi o erotismo escandaloso do assunto, e a natureza gráfica com a qual ele foi exibido. E é claro que não ajudou o próprio Nijinsky a fazer um gesto grosseiro para a platéia.

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 “Les Noces” (em português: As Núpcias) é um ballet com cantores (cantata dançada) de Ígor Stravinski. Estreou em 13 de junho de 1923 pela Ballets Russes no Théâtre de la Gaîté-Lyrique, com coreografia de Bronislava Nijinska e condução por Ernest Ansermet. Les Noces marca a transição do período russo para o neoclássico de Stravinski. Sua música influenciou diversos artistas contemporâneos. Stravinski começou a compor em 1913, sob comissão de Sergei Diaguilev. Escreveu o libreto por conta própria a partir de letras de canções russas de casamento coletadas por Pyotr Kireevsky(1911). As partituras para voz foram completadas na Suíça em meados de 1917. Durante seu desenvolvimento, a orquestração foi alterada dramaticamente. Foi primeiramente concebida para uma orquestra sinfônica estendida de 150 instrumentos similar a usada em A Sagração da Primavera, passou por diversas variações, incluindo a adição de uma pianola, cimbalons e um harmônio. Terminada em 1919, essa versão da obra só estreou em 1981 em Paris, conduzida por Pierre Boulez. Entretanto, essa versão foi abandonada. A estrutura final foi finalmente montada em torno de 1921, resultando em soprano, mezzosoprano, tenor, baixo, coral misto, e dois grupos de instrumentos de percussão, e quatro pianos. Bronislava Nijinska havia retornado à Paris após permanecer na Rússia de 1914 a 1921, com planos de desenvolver ideias encubadas em Kiev. A religiosidade do contexto da cerimônia de casamento está presente durante a apresentação; os dançarinos parecem abstraídos, e não fazem contato visual com a plateia.
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Les biches é um ballet coreografado por Bronislava Nijinska para música de Francis Poulenc e estreado pelos Ballets Russes em 6 de janeiro de 1924. Poulenc, que na época era relativamente desconhecido, foi convidado por Serge Diaghilev para escrever uma peça baseada em Les Sylphides de Glazunov , escrita dezessete anos antes.Poulenc, no entanto, escolheu basear seu trabalho nas pinturas de Watteau que mostravam Luís XV e várias mulheres em seu “Parc aux biches”. A palavra biche é geralmente traduzida como “doe”, um cervo adulto feminino. “Does” foi usado como uma gíria para mulheres coquetes. Poulenc descreveu seu trabalho como uma “festa contemporânea de sala de estar repleta de uma atmosfera de devassidão, que você sente se estiver corrompida, mas da qual uma garota de mente inocente não estaria consciente”.

Diaghilev reconheceu o grande potencial do ballet e o produziu para a temporada de 1924 do Ballet Russes, colocando a Poulenc na vanguarda da música francesa. Les biches foi bem recebido pelos críticos e apreciado pelo público da moda, com Henri Malherbe, da Time, chamando-o de “surpreendentemente íntimo”. Jean Cocteau em cima de aprovar a grandeza não planejada do trabalho escreveu: “A beleza, a melancolia de Les biches resulta de uma falta de artifício.” Poulenc continuamente revisou a música até a década de 1940, eventualmente reduzindo-a a uma suíte orquestral em cinco movimentos.

ballet, escrito em um estilo leve espumoso, é, por turnos, uma reminiscência de Mozart, Scarlatti , Franck , Tchaikovsky e Stravinsky , refletindo o estilo da composição privada de Saint-Saëns, O Carnaval dos Animais . Les biches usa um coro escondido, além da orquestra, um dispositivo encontrado antes em Daphnis et Chloé, de Ravel . O cenário e os figurinos foram desenhados por Marie Laurencin , dando uma sensação de moda de classe alta.

A pontuação foi redefinida para o concerto de jazz do New York City Ballet por Francisco Moncion , as outras três danças sendo Creation of the World , de Todd Bolender , Ebony Concerto , de John Taras , e Ragtime (I), de George Balanchine . A estreia do NY City Ballet ocorreu em 7 de dezembro de 1960, no Centro da Cidade de Música e Drama .

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Apollo (originalmente Apollon musagète e variadamente conhecido como Apollo musagetes , Apolo Musageta e Apollo, líder das musas ) é um ballet neoclássico em dois quadros compostos entre 1927 e 1928 por Igor Stravinsky . Foi coreografado em 1928 por George Balanchine , de 24 anos, com o compositor contribuindo com o libreto . O cenário e os figurinos foram desenhados por André Bauchant , com novos trajes de Coco Chanel em 1929. O cenário foi executado por Alexander Shervashidze , com figurinos sob a direção de Mme. A. Youkine A padroeira americana das artes, Elizabeth Sprague Coolidge, havia encomendado o ballet em 1927  para um festival de música contemporânea a ser realizado no ano seguinte na Biblioteca do Congresso em Washington, DC.

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Chamas de Paris (original russo título Plamya Parizha ) é um clássico de ballet com música de musicólogo e compositor Boris Asafiev baseado em canções da Revolução Francesa, e originalmente coreografado por Vasily Vainonen , com design de Vladimir Dmitriev. Os quatro actos ballet são baseados em um livro de Felix Gras . Autores do libreto foram Nicolai Volkov e Vladimir Dmitriev. Estreou no Teatro Kirov de Leningrado em 7 de Novembro, 1932 , com Natalia Dudinskaya como Mireille de Poitiers, Vakhtang Chabukiani como Jerome, Olga Jordânia como Jeanne, Nina Anisimova como Teresa, e Sergeyev Konstantin como Mistral. Outras produções incluiu uma que estreou em 06 de julho de 1933, no Teatro Bolshoi , em Moscou , com Aleksei Yermolaev (Jerome), Abramova Anastasia (Jeanne), Kapustina Nadezhda (Teresa) e Marina Semenova (Poitiers Mireille DE). A produção original e coreografia foi reconstruído em 2008 por Alexei Ratmansky para o Ballet Bolshoi e está disponível em DVD com Ivan Vasiliev e Natalia Osipov(Classiques Bel Air ).

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Serenade é um ballet de George Balanchine para Serenata 1880 de Tchaikovsky para cordas em C , op. 48. Os alunos da Escola de American Ballet fizeram a primeira apresentação no domingo, 10 de junho de 1934, na propriedade Felix M. Warburg em White Plains, NY, onde Mozartiana havia sido dançada no dia anterior. Este foi o primeiro balé que Balanchine coreografou na América. Foi então apresentado pela Companhia Produtora da Escola de American Ballet em 6 de dezembro, no Avery Memorial Theater do Wadsworth Atheneum, com cenários do pintor William Littlefield .Balanchine apresentou o balé como sua resposta aos generosos patrocínios que recebeu durante sua imigração para a América. A estréia oficial ocorreu em 1 de março de 1935 com o American Ballet no Adelphi Theatre , em Nova York, conduzido por Sandor Harmati .O dançarino principal de NYCB Philip Neal escolheu incluir Serenade em sua performance de despedida no domingo, 13 de junho de 2010. Os tutus azuis usados ​​em Serenade inspiraram o nome da cratera de Balanchine no planeta Mercúrio . O trabalho pode ser considerado uma ponte entre seus dois primeiros trabalhos para Sergei Diaghilev e seus trabalhos americanos, menos episódicos posteriores. A dança é caracterizada por duas quedas, uma alusão coreográfica a Giselle , mas também um elemento na Khorumi , uma dança folclórica georgiana que influenciou Balanchine.

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O ballet Romeu e Julieta de Sergei Sergeyevich Prokofiev é uma composição dividida em três atos e treze cenas. Estreada no dia 11 de janeiro de 1940 no teatro Kirov, em Leningrado, da baseado na tragédia homónima de William Shakespeare. Prokofiev extraiu deste ballet três suítes orquestrais (Op. 64 bis, 64 ter e Op. 101) e uma selecção ainda mais reduzida foi adaptada para piano. As primeiras foram encenadas desde 1785, mas a versão mais conhecida atualmente foi produzida em 1940, quase dois séculos depois. Também muitas músicas foram compostas para representar essa tragédia, e entre elas, versões de compositores famosos como Tchaikovsky e Berlioz também são conhecidas. A versão estreada em 1940, com a música de Prokofiev, foi a que mais se popularizou na dança, tendo características singulares. À título de curiosidade, o roteiro para essa versão pretendia mudar a obra de Shakespeare, de modo que os amantes não morressem no final, mas a mudança não foi bem aceita, sendo abandonada. Também é marcante nessa obra a grande atenção com personagens secundários, como Mercúcio, que tem um tema próprio de quase trinta minutos, tornando-se um papel disputado pelos melhores bailarinos do mundo.

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Theme and Variations é um ballet de George Balanchine para o movimento final da Suíte nº 3 de Tchaikovsky para Orquestra em Sol Maior, op. 55 (1884). A estréia aconteceu em 26 de novembro de 1947, com o Ballet Theatre (pouco tempo depois renomeado como American Ballet Theatre ) no Centro de Música e Drama . O maestro era Benjamin Steinberg. Tema e Variações foi concebido especialmente para Alicia Alonso e Igor Youskevitch . A estreia do City Ballet ocorreu em 5 de fevereiro de 1960, novamente no City Center. Foi incorporada por Balanchine em sua posterior suíte Tchaikovsky número 3 como seu quarto (e último) movimento, agora intitulado Tema con variazioni . Tema e Variações ainda são dançados independentemente dos outros três movimentos da Tschaikovsky Suite No. 3 por NYCB, bem como outras companhias.
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Spartacus é um ballet de Aram Khachaturian (1903-1978). O trabalho segue as façanhas de Spartacus , o líder do levante de escravos contra os romanos conhecido como a Terceira Guerra Servil , embora o enredo do ballet tome consideráveis ​​liberdades com o registro histórico. Khachaturian compôs Spartacus em 1954, e foi premiado com um Prêmio Lenin pela composição no mesmo ano. Foi encenado pela primeira vez, com coreografia de Leonid Yakobson , em Leningrado em 1956,  mas apenas com sucesso qualificado desde que Yakobson abandonou a ponta convencional em sua coreografia. O ballet recebeu sua primeira encenação no Teatro Bolshoi , Moscou, em 1958, coreografado por Igor Moiseyev ; no entanto, foi a produção de 1968, coreografada por Yury Grigorovich , que obteve a maior aclamação pelo ballet. Continua sendo uma das obras mais conhecidas de Khachaturian e é proeminente dentro dos repertórios do Teatro Bolshoi e outras companhias de ballet naRússia e na antiga União Soviética.

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Adaptado da peça de William Shakespeare de mesmo nome, Sonho de Uma Noite de Verão é um ballet em dois atos – a história se desenrola no primeiro e o segundo é de divertimentos. A coreografia é do célebre coreógrafo George Balanchine, e a música é de Felix Mendelssohn. Balanchine o estreou 1m 1962.

O repertório não segue o padrão da maioria dos ballets clássicos (ao menos o primeiro ato). A história é cheia de reviravoltas, tem muitos personagens e muitas danças de corpo de baile. Titânia e Oberon, personagens principais, dançam poucas vezes juntos para um casal protagonista, o que torna a peça, artisticamente, incomum. Outra coisa que chama atenção é que este ballet tem uma música cantada: trata-se da canção de ninar de Titânia (Titania’s Lullaby), uma ópera, que as fadinhas da corte da rainha cantam para que ela adormeça – e, no final das contas, acabe enfeitiçada

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Jewels é um balé de três atos criado para o New York City Ballet pelo co-fundador e fundador do coreógrafo George Balanchine . Ele estreou na quinta-feira, 13 de abril de 1967, no New York State Theatre , com cenários projetados por Peter Harvey e iluminação de Ronald Bates .

Jewels foi chamado primeiro ballet abstrato de corpo inteiro. Tem três movimentos relacionados: Esmeraldas , Rubis e Diamantes (geralmente separados por intervalos). Também pode ser visto como três balés separados, ligados por seus trajes coloridos. Balanchine comentou: “O ballet não tem nada a ver com jóias. Os dançarinos estão vestidos apenas como jóias”. Cada um dos três atos apresenta a música de um compositor diferente: Esmeraldas é ambientado à música de Gabriel Fauré , Rubis à música de Igor Stravinsky e Diamantes à música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky .

Os figurinos foram criados pela colaboradora de longa data de Balanchine, Barbara Karinska , que criou um visual distinto para cada ato diferente: saias de tule românticas para as esmeraldas , tecido que brilhou nos quadris de homens e mulheres em Rubies , e o apartamento , tutu clássico do Balé Imperial Russo para Diamantes . Os figurinos eram peças de arte tão bem elaboradas que alguns deles foram exibidos em museus e em lobbies de teatro. Até mesmo Claude Arpels, da Van Cleef & Arpels , que sugeriu a idéia de um balé baseado em gemas para o coreógrafo, ficou impressionado com sua atenção em encontrar os melhores acabamentos que representassem com precisão o verdadeiro brilho das genuínas gemas. Além disso, o trabalho meticuloso de Karinska é creditado por fazer os figurinos durarem apesar do suor e do esforço de dançar neles. Seus desenhos, bordado e escolha em tecidos os tornavam duráveis ​​e dançantes, ilustrando que os corpos dentro dos trajes eram merecedores de seu maior respeito. Quando questionada sobre sua atenção a seus detalhes quase extravagantes, ela respondeu: “Costuro meninas e meninos que fazem minhas fantasias dançarem; seus corpos merecem minhas roupas”.

Na estréia na primavera de 1967, Mimi Paul dançou as partes da variação Sicilienne e o Nocturne (“caminhada”) pas de deux em Emerlands . Paul mais tarde passou a treinar outros dançarinos da peça, incluindo Sara Mearns .

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Carmen é um ballet de um ato criado em 1967 pelo coreógrafo cubano Alberto Alonso para música do compositor russo Rodion Shchedrin para sua esposa, a prima ballerina assoluta Maya Plisetskaya . A estréia aconteceu em 20 de abril de 1967 no Teatro Bolshoi , em Moscou. A música, tirada da ópera Carmen de Georges Bizet e organizada para cordas e percussão, não é um pastiche do século XIX, mas sim “um encontro criativo das mentes”, como diz Shchedrin, com as melodias de Bizet recheadas em uma variedade de novas cores instrumentais (incluindo o uso frequente de percussão), ajustadas a novos ritmos e muitas vezes expressas com grande perspicácia. Inicialmente banido pela hierarquia soviética como “desrespeitoso” para a ópera precisamente por essas qualidades, o ballet se tornou a obra mais conhecida de Shchedrin e se manteve popular no Ocidente pelo que James Sanderson chama de “releitura iconoclasta, mas muito divertida de Bizet”.

 

O meu favorito é Don Quixote!!! Eu AMO ballets com música forte, AMO a variação de Kitri, os figurinos…

Qual o ballet de repertório preferido de vcs? Comenta aqui em baixo e compartilha comigo!!!

Até o próximo post!!!

 

Minhas fontes: