Olá bailarinos e bailarinas!

 

O post de hoje vai ter um conteúdo mais cultural, que será sobre a história do ballet, da nossa arte, que é tão maravilhosa! Neste post, vou me basear no livro “Tutus, Tights and Tiptoes – Ballet History as Ought to be Taught” (Tutus, Meias calças e Pontas dos pés – A História do Ballet como deveria ser ensinada) de David W. Barber, um livro que eu encontrei no Kindle somente em inglês. Será que vcs já leram sobre isso?

Já aviso que o post será dos GIGANTES, mas é que neste livro encontrei detalhes muito específicos que não costumo ler por aí e quero compartilhar com vcs!

Normalmente se data a história do Ballet como nós conhecemos apenas no período renascentista, mas segundo o que podemos ler neste livro, podemos notar elementos da dança muito antes disso.

I. O Início da História da Dança

1. Pré-história

Neste livro, o autor, contando de uma forma bem humorada, fala que a dança em si começou em qualquer lugar que haja a história de um povo, porque desde que existiram pessoas, elas dançaram. Podemos, então, de certa forma contar que a dança começou lá na época das cavernas quando um homem topou seu dedo do pé numa pedra da caverna. Pois todo esse pequeno cenário contém os básicos elementos da dança: o movimento (o ato de saltar), a “mise en scène” (o ato de pegar o pé com ambas as mãos indicando a dor da topada), luz especial (que seria a luz da fogueira) e algum tipo de acompanhamento musical. Camarins, cadeiras para sentarmos com a estrutura dos Teatros e ingressos com preços exorbitantes provavelmente surgiram bem mais tarde milhōes de anos depois.

2. Antinguidade e Idade Média

A partir do momento em que os humanos se organizaram em tribos, a dança se tornou um negócio mais sério, muitas vezes com objetivos específicos em mente. Havia danças para inspirar soldados antes de irem para a batalha, danças para assustar os inimigos, e danças para consolar os sobreviventes se a batalha não tivesse sido tão boa naquele dia. Havia danças para trazer a chuva, danças para garantir boas culturas ou caça e pesca abundantes, danças para celebrar casamentos e aniversários. Muitas sociedades tribais também desenvolveram a dança da morte, ou a dança macabra como forma de tornar a perspectiva da vida após a morte um pouco menos assustadora.

Muitas religiões pelo mundo incluíram a dança como parte dos seus importantes rituais para agradar ou apaziguar os seus vários deuses ou apenas uma forma de celebrar a vida, como o Hinduísmo, o Cristianismo.

Os antigos gregos consideravam que a dança era inspirada pelos deuses e então se pensava muito no assunto. Havia em particular dois deuses responsáveis ​​pela dança – Apollo, o deus do sol, que também cuidava da filosofia e das artes e Dionísio, o deus do vinho, da fertilidade das festas, do teatro e dos ritos religiosos.

Assim, mesmo dos tempos antigos, podemos ver que a dança foi dividida em duas categorias – a dança alta da expressão artística e a dança de baixa expressão artística. De uma maneira geral, o ballet se encaixa na primeira.

Historiadores e antropólogos nos asseguram que provavelmente houve dança nos rituais druidas para o solstício ou equinócio e ocasiões sagradas em Stonehenge e em outros lugares através da antiga Grã-Bretanha dos celtas, mas é difícil saber em que evidência eles se baseiam para afirmar isso.

3. Idade Moderna

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Houveram também alguns episódios na realeza em que a dança se fez presente, como quando a Rainha Elizabeth I, quando jovem causou um escândalo na corte por dançar “La Volta”, uma dança sensual francesa do século XVI que mostrou muito da sua perna, um ultrage para a época.

Entre as danças associadas com a Inglaterra está a tradição da dança de Morris, que se baseia em uma dança espanhola com um nome italiano que o inglês roubou do francês de Burgundi em torno de 1420. Essa dança foi chamada de “Moresca” ou “Morisca”. Esse nome vem do fato de que alguns artistas pintavam seu rosto de preto no estilo “blackface“.

Os irlandeses, entretanto, estavam ocupados desenvolvendo o seu famoso sapateado. Os galês são geralmente mais conhecidos por sua dança; dançar é um pouco mais difícil de fazer quando você está no fundo de uma mina de carvão, mas podemos imaginar que para eles era melhor ser um dançarino do que um minerador. O sapateado irlandês em nosso próprio tempo tornou-se popular por Riverdance e Michael Flatley.

II. O início da História do Ballet

1. Como o Ballet se tornou Francês

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Nós tendemos a pensar o ballet como francês, mas com certeza os italianos lhes dirão que eles pensaram no ballet antes. Mas foram de fato os franceses que elevaram o ballet à arte maravilhosa que é hoje.

A verdade é que nos séculos XIV e XV, as cortes reais da França, Itália e Borgonha (um território histórico e uma região administrativa da França) ficaram reconhecidas por sua dança e entretenimento. E se você quisesse impressionar com o quão importante você era, você simplesmente tinha que colocar um belo jantar , com bebida e dança. A maioria desses espetáculos ocorreu para ocasiões especiais, embora às vezes para qualquer velha ocasião se  faria.

Então, um casamento ou um banquete de férias ou algum grande número de visitas na cidade seria certo de se fazer essa artimanha.  A maioria desses eventos de dança começou pequena, relativamente falando, e certamente muito menos traumática, com apenas o tipo comum de dança que você acharia nas cortes reais. Mas em breve começou a sair fora de controle.

Eles começaram a adicionar cenários extravagantes, e figurinos mais elaborados e pequenas linhas de enredo para dar alguma coisa à história, e a orquestra que tocava a música continuava ficando cada vez maior.

E com essas produções elaboradas veio o surgimento do mestre da dança profissional, ou o que hoje em dia chamaríamos de coreógrafo. Entre o primeiro e mais importante deles foi Domenico di Piacenza. Em algum momento, por volta de 1400, Domenico escreveu o que poderia ser o primeiro tratado de dança, no qual ele realmente escreveu notação sobre como as etapas da dança deveriam ser realizadas. Algumas das outras danças de Domenico também foram anotadas em 1450 por seus pupilos. Estas vieram a ser conhecidas como “Balli” ou “Balletti“, da palavra italiana “Ballare“, que significa “dançar”. Desde lá usamos a palavra francesa “Ballet“.

No século XVI todo tipo de coisas interessantes estavam acontecendo na dança. Os passos estavam ficando mais complexos e os professores começaram a aconselhar seus alunos a praticar os movimentos mais difíceis pendurados na parte de trás de uma cadeira ou uma corda esticada para equilibrar e apoiar. A partir de então passamos a ter a barra do ballet, de madeira ou de metal encontradas em quase todas as salas de aula de ballet.

Saber como dançar foi considerado um dos elementos essenciais da educação adequada de qualquer dama ou cavalheiro, assim como saber qual o garfo para usar para peixe, saber esgrima, jogar tênis ou andar de cavalo.

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A França no século XVII foi chamada “A Era de Ouro do Ballet”. Os compositores estavam escrevendo os Ballets de corte. Quem presidiu esta “era de ouro” foi Louis XIV. Em 1651, quando tinha apenas um pouco de 12 anos, Louis dançou em seu primeiro ballet, “Cassandre“, e, a partir daí, ele ficou viciado. Depois de desempenhar papéis como o Deus do Sol Apollo e o Sol Nascente (no “Ballet de la Nuit“), Louis começou a se denominar como Rei Sol.

Louis finalmente teve que parar de dançar, mas antes disso, ele aprendeu alguns dos seus melhores movimentos com o professor de dança Pierre Beauchamps. Entre outras coisas, Beauchamps ajudou a desenvolver padrões para as cinco posições básicas dos pés, algumas das quais têm suas origens nas posições tradicionais de esgrima. Quem diria que ballet e esgrima teriam tudo a ver?

Dentre as contribuições de Louis para a arte, em 1661 ele fundou a Royal Academy of Dance. E em 1669, Louis estabeleceu a Royal Academy of Music, que permanece hoje como a Opéra de Paris e que começou em uma antiga quadra de tenis.

O compositor mais importante da corte de Louis XIV foi Jean-Baptiste Lully. Ele era originalmente um italiano, Gioavanni Battista Lulli, um pobre filho de moleiro e, portanto, é um bom exemplo de como avançar no mundo, graças ao talento.

Lully, o violinista, aprendeu a dançar e ele tocou em 30 ballets na corte. Mas, mais importante, ele compôs a música para ballets – 28 ou mais – sem contar óperas, música incidental, obras corais e quem sabe o que mais.

Essas produções de comédia-balé, com números de dança intercalados entre o diálogo, podem ser consideradas precursoras dos musicais de Brodway de hoje como “Cats“.

2. Os minuetos

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Uma das danças mais importantes e populares neste momento foi o minueto, uma pequena canção leve, introduzida por Lully em torno de 1650.

Louis XIV levou crédito pela dança do primeiro minueto “oficial”, em 1653. Logo em breve, o minueto tornou-se a mania de dança mais quente do final do século XVII e início do século XVIII.  Na corte francesa especialmente, o minueto estava a todo vapor.

O minueto logo tomou conta da Europa e logo se apoderou e eliminou muitas das outras formas de dança populares da época, como o courante, o pavane, a bourée e a gavotte.

Muitos compositores da época passaram a compor minuetos, como Mozart no Primeiro Ato da sua ópera “Don Giovanni”

3. O uso dos Tutus

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Quando Louis XIV estabeleceu a Ópera de Paris naquela antiga quadra de tênis em 1669, ele realmente deu o pontapé inicial para o ballet “tradicional” como o conhecemos hoje. A companhia teve sua primeira produção em 1671 com a ópera “Pomone”, contando com danças coreografadas por Pierre Beauchamps.

Lully logo assumiu a Ópera e moveu-a para estalações muito mais bonitas no “Palais Royale”. Em 1713, a Ópera de Paris havia estabelecido uma escola de dança separada.

As mulheres, embora tivessem permissão para dançar socialmente na corte, ainda não se considerava muito apropriado para as mulheres estarem no palco.

Ficou tão ruim que, para corrigir a falta de bons dançarinos, Louis XIV teve que aprovar um decreto real, permitindo que os cortesãos pudessem dançar no palco sem perder a classificação nobre ou sofrer o estigma social. Então, antes disso, os papéis femininos em ballets foram realizados por jovens homens vestidos de mulher. Como todos ainda usavam máscaras, tanto para papéis masculinos como femininos, isso facilitava o afastamento. Os homens em papéis femininos usavam uma saia curta e cortada chamada “tonnelet”.

Mas nos anos 1680 isso começou a mudar, e as mulheres começaram a ser vistas dançando nos palcos franceses. Elas também usavam máscaras, e saias armadas chamadas “pannier”, mais longas que as “tonnelet”.

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Então em 1681, o que nós poderíamos chamar de guinada para liberdade, igualdade e fraternidade, quatro mulheres, as primeiras bailarinas dançaram pela produção da ópera Lully “Le Triomphe de l’Amour”. Então, a líder delas, Mademoiselle de la Fontaine, pode ser considerada a primeira “primma ballerina” da Ópera de Paris, o que faz dela a primeira bailarina de todos os tempos.

Sobre a nossa icônica sainha de ballet, que nomeia este blog, estudiosos concordam que é provável que venha de uma espécie de versão de “cu-cu”, uma variação da palavra francesa “cul”, para nádegas ou bumbum – que é o que o tutu moderno mal cobre.

A introdução das mulheres no palco coincidiu com o desenvolvimento da ópera-balé. Entre as mais conhecidas está “Les Indes Gallantes”, produzida pela primeira vez em 1735.

Assim como Beauchamps codificou as cinco posições básicas dos pés, o ballet também começou a desenvolver termos para outras “posições” básicas (dos braços, das pernas, da cabeça) e poses, ou “attitude”.

Sobre esse tempo também começamos a formalizar grande parte da terminologia especializada para os saltos, giros, posições e outros movimentos associados ao ballet. A França se torna o centro predominante para o ballet. A terminologia francesa tornou-se a forma padrão. Assim, o século 18 padronizou termos como “pas de deux”, “pirouette”, “entrechats”, “fondue”, “fouetté”, “jeté”, “plié”, “relevé” e “tombé”.

Embora o ballet ainda fosse muito dominado por homens, as mulheres começaram a ter influência não só como dançarinas, mas também como coreógrafas e professoras. Entre as primeiras delas, Françoise Prévost, que coreografou e dançou os famosos “Les Caractères de la Danse” em 1715.

A respeito dos primeiros feitos famosos, a primeira pirueta feminina foi feita pela bailarina alemã Anne Heinel.

Na década de 1770, os dançarinos deixaram de usar máscaras e perucas, seus trajes tornaram-se muito menos pesados e extravagantes, as saias mais curtas e mais soltas, e sobre todas as coisas pareciam muito bem com os ballets “antiquados” de hoje.

Durante o século XVIII, houve também um afastamento dos “ballets à entrée” que eram apenas um monte de peças de teatro não relacionadas e muitas vezes presas no meio de uma ópera e um movimento para o que chamava de ballet de ação (“ballet d`action”), o que hoje é conhecido por “Ballet de Repertório”, um ballet unificado que realmente conta uma história completa. E os ballets deixavam ser falados.

Dois mestres de ballet rivais ajudaram a defender o“ballet d`action” nos anos 1750 e 60, Gaspero Angiolini e Jean-Georges Noverre. Eles discutiram às vezes sobre quem pensou nisso primeiro, mas na verdade foi a duquesa do Maine. Mas de qualquer forma foram os dois que desenvolveram o“ballet d`action”.

Angiolini também viajou para São Petersburgo e Moscou, onde ajudou Catarina, a grande a estabelecer a tradição do ballet russo que se tornou tão importante depois. Noverre teve uma carreira de sucesso. Ele criou ballets da corte para o rei Louis XIV e Maria Antonieta e em 1778 criou a coreografia do único ballet de Mozart, “Les Petits Riens”. E foi o grande responsável por ajudar a simplificar a dança e as roupas. Ele disse que os dançarinos deveriam se livrar daquelas saias volumosas, sapatos com saltos e grandes fivelas e qualquer outra coisa para conseguir uma clara expressão do movimento físico.

4. O Uso das Sapatilhas de Ponta

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Embora muitos achem que o ballet e a existência das sapatilhas de ponta andem juntos, não é bem assim. Muito antes das sapatilhas de ponta existirem, já existia o ballet.Dançar nas pontas dos pés é uma técnica relativamente recente, e apenas uma parte muito pequena do que é o ballet. O trabalho de pontas tem apenas 200 anos de idade. Pode parecer um longo tempo, mas considerando que o ballet existe há mais de 500 anos, não é nem a metade do tempo. E considerando que estivemos dançando há cerca de um milhão de anos ou mais, não é nem uma gota no balde.

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Ninguém sabe com certeza quem foi a primeira bailarina a dançar na ponta dos pés. Mas o crédito freqüentemente é para Marie Taglioni que dançou na Ópera de Paris e também em grande parte da Europa.Na década de 1820 dançar nas pontas se tornou uma técnica estabelecida.

Quem quer que tenha feito isso primeiro, foi certamente Marie Taglioni que aperfeiçoou e popularizou a dança na ponta do pé. Isto foi especialmente verdadeiro em seu desempenho em março de 1832 em La Sylphide. Philippe Taglioni forneceu a coreografia de sua filha. Nem a coreografia nem a música dessa produção sobreviveu. A versão que você pode ver dançada hoje é do Royal Danish Ballet em 1836, com coreografia de Bournonville.

Com Marie Taglioni no papel principal, no vestido branco de comprimento médio, que passou a ser conhecido como o tutu romântico, dançando na ponta dos pés para parecer apropriadamente leve e parecer uma fada, e com fadas voando para cima e para baixo, La Sylphide foi um grande sucesso. Também estava perfeitamente em consonância com o humor do movimento romântico que tinha a Europa em escravidão no período. Fadas, duendes e outras criaturas mágicas tornaram-se o  grande sucesso. Foi o primeiro ballet de repertório dançado nas pontas (o primeiro ballet a ser montado de fato foi o La Fille Mal Gardee), mas deixemos para nos estender mais em ballet de repetório num próximo post.

A sapatilha de ponta mais próxima da que conhecemos começou a aparecer na década de 1860. Antes disso as bailarinas enfiariam seus pés numas sapatilhas mais simples, colocando nos seus dedos algodão ou tecido, danificando o local do box da sapatilha, para torná-las mais duras, e apenas esperavam pelo melhor acontecer. Os sapatos com saltos grandes e grossos haviam desaparecido até o final dos anos 1700, para serem substituídos por sapatilhas de cetim, sem saltos, com fitas longas para amarrá-los firmemente no lugar.

5. Personagens assombrosos

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À medida que o movimento romântico percorreu toda a Europa, tiveram vários grandes impactos no desenvolvimento do ballet. A narrativa tornou-se mais elaborada e fantástica, assim como os teatros nos quais as histórias foram contadas. Os artifícios de palco tinham ficado mais elaborados,  com cenários voadores (sem falar das sylphids voadoras), e, com outros artifícios, os palcos de teatro começaram mais a assemelhar-se ao design do “quadro de imagem” de hoje. O uso de velas de cera para iluminação começou a diminuir para ser substituído pelas novas lâmpadas de gás.

Houve também grandes mudanças sociais, e não apenas no ballet. A Revolução Francesa e a Revolução Industrial na Inglaterra e em outros lugares da Europa levaram ao surgimento de uma classe média mais rica. Novas ideias estavam tomando forma, antigas noções sendo descartadas. Não mais ballet, óperas, peças e concertos eram o domínio exclusivo de poucos aristocratas privilegiados.

O romantismo, com ênfase no amor, na morte, na raiva, na paixão e em outras emoções fortes, tornou-se o modo dominante de expressão artística no século XIX, seja no ballet, na ópera, nas sinfonias ou nas artes visuais.

Os românticos também foram fortes em elementos sobrenaturais, seja as fadas de “La Sylphide” ou algo um pouco mais sombrio como “Robert le Diable”, uma grande ópera por Giacomo Meyerbeer primeiro dançada na Ópera de Paris”. Mais uma vez Philippe Taglioni coreografou sua filha Marie para o papel principal do ballet.

A noite de estreia de “Robert le Diable” foi um daqueles grandes desastres teatrais que os produtores e os atores vivem em terror e a platéia acha especialmente divertidas.

Criaturas supernaturais apareceram de novo em outro conhecido ballet romântico, “Giselle” (foto daa imagem acima com Carlota Grisi) dançado pela primeira vez em 1841, com música de Adolphe Adam.

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Para uma produção bastante diferente em Londres em 1845 para o produtor Benjamin Lumly, Perrot foi convidado a coreografar um “Pas de quatre” sem precedentes com quatro das mais famosas bailarinas da época – Marie Taglioni, Carlotta Grisi, Fanny Cerrito e Lucile Grahn.

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Em 1858, Emma Livry fez sua estréia no papel principal de “La Sylphide” e foi tão impressionante que atraiu a grande Marie Taglioni da aposentadoria que a viu, e depois a treinou. Em 1860, a própria Taglioni criou um novo ballet para Livry, “Le Papillion”. Mas, infelizmente, Livry se recusou a seguir a prática de mergulhar seu traje em um líquido especial retardador de fogo. Ela pensava que isso fazia com que seu vestido parecesse velho e desbotado. Então, um dia, em 1862, ensaiando uma remontagem de “La Muete de Portici”, Livry ficou muito perto de uma luz e seu vestido pegou fogo. Ela morreu oito meses depois das queimaduras.

Giuseppina Bozzacchi

Outro ballet extremamente popular deste período, que permaneceu no repertório desde então, é Coppelia, com música de Léo Delibes. Assim como os outros ballets românticos, ele tinha elementos mágicos, mas não tão mórbidos como “La Silphyde” ou “Giselle”. Pelo menos, ninguém morre nesta história. Delibes escreveu um outro ballet, “Sylvia”. Este compositor foi muito admirado por Tchaikovsky.

Muitos estudiosos dirão que o ballet francês entrou em um pouco de declínio no final do século XIX. Ainda era bonito e gracioso, e havia muitas bailarinas adoráveis, mas nenhuma delas teria as inovações ou os cumprimentos de uma Taglioni ou das outras grandes bailarinas da época.

Encontrar um trabalho de ballet sério neste momento tornou-se difícil. E também não foi uma boa época para os homens no ballet. Embora os homens tenham dominado os palcos nas primeiras décadas do ballet, nessa época eles foram desprezados a meros papéis de apoio.

6. Surgimento de novos ballets de repertório: Tchaikovsky

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O ballet na França estava perdendo totalmente seu espaço no final do século XIX, mas nem tudo estava perdido. Na Rússia, foram tomadas medidas importantes, e então o compositor Tchaikovsky ajudou a salvar o ballet. É uma maravilha que Tchaikovsky encontrou tempo para escrever qualquer ballet. Ele compôs várias sinfonias, cerca de oito óperas, a “abertura de fantasia” Romeu e Julieta, a 1812 Overture, alguns concertos de piano e toda uma série de músicas menores aqui e ali.

Ele compôs música para três dos ballets mais importantes de repertório: Lago dos Cisnes, Bela Adormecida e Quebra-nozes. Não só estes ajudaram a reviver o ballet na segunda metade do século XIX, mas eles eram também uma coisa boa para a música russa em geral. Durante muito tempo, a cultura russa manteve-se praticamente rígida, evitando influências externas.

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No momento em que Tchaikovsky veio no século XIX, a Rússia estabeleceu uma reputação indescritível para o desempenho do ballet, tanto em São Petersburgo no Teatro Maryinsky quanto em menor grau, no Teatro Bolshoi de Moscou. Foi o Bolshoi que o contratou para escrever um novo ballet, baseado em uma lenda alemã, O Lago dos Cisnes. Nunca tendo escrito um ballet e ansioso para tentar uma nova forma de expressão, Tchaikovsky aceitou o desafio.

Profissionalmente, as coisas iam cada vez melhores para Tchaikovsky. Seus trabalhos estavam ganhando maior aceitação. Na frente do ballet, as coisas pareciam muito melhores. O Bolshoi de Moscou encomendou o Lago dos Cisnes em 1894 e teve seu desempenho de estréia em uma versão menor naquele ano.

A estreia do Bolshoi do Lago do Cisnes não foi particularmente bem. Mas não foi culpa de Tchaikovsky. O maestro era um amador de categoria que não sabia o que estava fazendo. E o papel principal de Odette, o cisne branco, deveria ter ido para a principal bailarina da companhia, mas para as primeiras noites foi para a sua rival menos talentosa. E como se tudo não estivesse suficientemente ruim, os críticos odiavam porque a história original era alemã e, portanto, não era russo o suficiente.

Mas as coisas ficaram muito melhores depois, quando Marius Petipa apanhou o Lago dos Cisnes em 1895 e o recoreografou para a versão que podemos ver hoje. Na produção original, Odette e Odile eram duas bailarinas diferentes, mas na de Petipa era para que a mesma bailarina dançasse os dois papéis – tornando toda a identidade equivocada Odette / Odile muito mais convincente. Foi a bailarina italiana Pierina Legnani que primeiro dançou o papel duplo Odette / Odile para Petipa, e foi ela quem primeiro dançou os agora famosos 32 fouettés. Desde então, o papel passou a se tornar grande esforço para exibir o talento de uma longa fila de bailarinas russas.

Ironicamente, embora tenha sido uma de suas obras mais famosas e mais amadas, Tchaikovsky  nunca viveu para ver uma produção completa do Lago dos Cisnes. Desde a desastrosa estréia, que não foi a versão completa de qualquer maneira, tudo o que ele viu foram pedaços.

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Tchaikovsky juntou-se novamente com Petipa para um próximo ballet, “A Bela Adormecida”, baseado no clássico conto de fadas, que ele começou a escrever em 1888 e que teve sua estréia no Teatro Maryinsky, em São Petersburgo, em 1890.

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Sem dúvida, o mais conhecido e mais popular dos ballets de Tchaikovsky é o terceiro e o último, O Quebra-nozes. Ironicamente, na verdade, já que era um que ele não queria particularmente escrever.

O Quebra-nozes tornou-se um favorito perpétuo em todo o mundo e as companhias de ballet em todo o mundo, grandes e pequenas, fazem produções todos os anos, da mesma forma.

7. O Ballet no século XX

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No final do século XIX, Tchaikovsky ajudou a elevar o ballet a um auge tão criativo e expressivo que você poderia dizer que estava em cima das suas pontas dos pés, artisticamente falando. Mas levou outro compositor russo, Stravinsky, a sacudir e certificar-se de que não ficaria chato. Quando Stravinsky tinha 20 anos, ele estava determinado a se tornar um grande compositor. Foi em 1908 que se encontrou com Serge Diaghilev, que teve um impacto tão grande na cena de ballet do início do século. Diaghilev não era compositor, nem mesmo escritor. Mas ele era artístico e criativo no sentido mais amplo. Sua arte se debruçou em poder conceber grandes idéias e, em seguida, encontrar os artistas certos para ajudá-los a realizá-los.

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Uma grande parte do que fez os “Ballets Russes” tão notáveis ​​e maravilhosos, na verdade, foi o próprio presente de Diaghilev de reunir artistas. Diaghilev conheceu Stravinsky porque ele ouviu uma de suas pequenas peças de orquestra, “Fireworks”, e gostou tanto que pediu ao compositor que lhe escrevesse um ballet para uma nova companhia de dançarinos que estava preparando para apresentações em Paris. A companhia tornou-se o famoso “Ballet Russes” e o ballet era “The Firebird”. O “Firebird” causou uma sensação na temporada de 1910 em Paris. Dois bailarinos, Anna Pavlova e Vaslav Nijinsky, ambos treinados no Imperial Ballet em São Petersburgo, se juntaram ao “Ballet Russes” de Diaghilev nos primeiros dias e passaram a se tornar dois dos maiores bailarinos que o mundo do ballet já viu.

 

Resultado de imagem para anna pavlova dying swanAnna Pavlova nasceu em 1881 e sabia desde o momento em que viu a Bela Adormecida de Tchaikovsky no Imperial Ballet como uma menina de oito anos que queria se tornar uma bailarina. Após anos praticando, Pavlova se juntou ao Imperial Ballet em 1899 e logo se tornou sua primeira bailarina. Foi a “Morte do Cisne” que a tornou tão famosa. Ela o dançou pelo mundo todo, um belo trabalho para os cisnes no mundo do ballet.

Pavlova dançou apenas uma temporada, 1909, com “Les Ballets Russes”. Depois disso ela dançou sozinha. Ela e Diaghilev não se deram muito bem, ela sempre estava com ciúmes de Nijinksy. Em suma, não era boa combinação. Mais do que ninguém, Pavlova trouxe ballet para as pessoas, e as pessoas a adoravam. Ela não era atlética como algumas das bailarinas de superstar italianas e seus pés bem adequados para o trabalho de ponta. Pavlova era bastante vaidosa, ela tinha todas as fotos retocadas para fazer seus pés parecerem menores e mais delicados. E, em 1931, ela acabou morrendo de pneumonia após recusar uma operação que provavelmente a faria parar de dançar.

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Vaslav Nijinsky nasceu em 1889 e também sabia desde a infância que queria se tornar um grande bailarino. Ele também estudou no Ballet Imperial e, ainda estudante, fez sua estreia nos palcos em 1906 em “pas de huit” inserido em uma produção de “Don Giovani” de Mozart, junto com a bailarina Vera Trefilova. Uma semana depois, para uma repetição, Trefilova foi substituída por Pavlova, marcando a primeira vez que os dois grandes bailarinos dançaram juntos. Mas nunca tinham sido uma parceria muito harmoniosa. Muito ego em ambos os lados. Nijinsky era baixo – apenas 1,63m -, mas ele era resistente, musculoso e gracioso, e tinha um rosto bonito e expressivo. Um dos seus papéis mais famosos foi o pequeno fauno em uma versão de ballet de “L’après-midi d’un faune” (“O despertar de um fauno”)

Após o “Firebird”, Nijinsky também dançou no próximo trabalho de Stravinsky, em 1911, Petrushka, não era exclusivamente um ballet, mas um trabalho de palco com movimento e dança. Começou como um concerto para piano, mas Diaghilev logo resolveu isso. Em sua estréia e até mesmo em performances posteriores, críticas e públicos também não sabiam o que fazer com isso. O que começou naquela noite, em Paris, em 1913, como meros chefes e assobios da audiência logo se desenvolveram em uma tumultada em grande escala nos assentos, com pessoas batendo e se perfurando, gritando, derrubando os assentos.

Stravinsky escreveu outros ballets e obras de palco com movimento e também um monte de outros títulos. Mas nenhum deles chegou mesmo a ter o impacto, artístico e social, de “Le Sacre du Printemps”.

8. Todas as modificações

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Desde “Le Sacre”, o mundo da dança ficou cada vez mais exótico, erótico e aventureiro. Mesmo o chamado ballet “clássico”, embora ainda permaneça firmemente conectado às poses e posições formais há muito tempo, está em muitos aspectos muito longe do que Lully e Beauchamps – ou mesmo Tchaikovsky e Petipa – reconheceriam. A América tem tido um envolvimento nisso, como costuma fazer, e as conexões americanas com o ballet clássico retornam a uma distância respeitável.

No século XIX, um bailarino americano, George Washington Smith, dançou como Albrecht em Giselle em uma produção em Paris, junto a Fanny Elssler. Elssler também percorreu os Estados Unidos, assim como outras estrelas européias, incluindo Anna Pavlova e o Diaghiev Ballet.

A década de 1910 e os anos 20 produziram a breve, mas notável carreira de Isadora Duncan, uma dançarina / coreógrafa americana que era tão talentosa quanto excêntrica. Isadora gostava de dançar com os pés descalços em vestes fluidas, e não há dúvida de que seu estilo e energia tinham uma influência importante no desenvolvimento da dança moderna.

Michel Fokine fazia parte da multidão de dançarinos e coreógrafos russos que foram aos EUA depois da Primeira Guerra Mundial e da Revolução Russa. Folkine ajudou a estabelecer uma companhia de Nova York nas décadas de 1920 e 1930 que fizeram um bom trabalho, mas, de certa forma, ele nunca conseguiu o jeito de sua nova casa. Seu ballet “Thunder Bird”, por exemplo, embora baseado na mitologia asteca, usa música de compositores russos.

Na década de 1930, o empresário Linconl Kirstein e outros persuadiram George Balanchine para ele começar uma companhia em Nova York. Eles abriram a “School of American Ballet” em 1934, coincidentemente em um estúdio de Manhattan que já pertencia a Isadora Duncan.

Embora Balanchine soubesse contar uma história na dança, ele preferia obras abstratas que eram mais como expressões de puro movimento, como os seus bailarinos Serenata ou Mozartiana. Às vezes, suas idéias vieram dos lugares mais estranhos. Uma vez no ensaio para Senerade, quando um dançarino caiu, ele decidiu trabalhar isso na peça.

Após a Segunda Guerra Mundial, em 1946, Balanchine e Kirstein formaram um novo grupo chamado Ballet Society, que mais tarde se tornou o New York City Ballet, que continua sendo uma companhia importante e influente.

Outra bailarina e coreógrafa influência americana foi Martha Graham, cujas performances eram enérgicas e controversas. Gaham era uma dançarina “vulgar” nos vários sentidos da palavra. Suas danças eram muitas vezes sensuais e francamente eróticas, e ela também era conhecida por seu poderoso “trabalho no chão”, num momento em que o ideal do ballet ainda era um dos dançarinos que flutuavam no ar como se fossem sem peso. Ela criou danças para a música de importantes compositores americanos.

Falando sobre russos, Mikhail Baryshnikov, de origem letã, foi desertado da Rússia soviética em 1974, no aeroporto de Toronto enquanto estava em uma turnê norte-americana. Ele continuou a dançar no American Ballet Theater e no New York City Ballet, e mesmo uma vez foi estrelado por um filme de Hollywood.

O Canadá tem duas grandes companhias de ballet, o Royal Winnipeg Ballet, fundado por Gwyneth Lloyd e Betty Farrally, e o National Ballet, fundado pela ex-dançarina de Sadler`s Wells, Celia Franca. Fundado em 1939, o RWB não é apenas o mais antigo dos dois, mas tem a distinção de ser a mais antiga companhia de ballet contínua na América do Norte. Franca também foi fundamental na introdução do ballet clássico ocidental para a China, que já está resultando em bailarinos de alto nível desde então.

Nuryev, Balanchine, Gaham e uma série de outros ajudam a manter a disciplina e a arte do passado, mas muitas vezes com uma nova e moderna perspectiva. Ainda hoje, pequenas meninas e meninos de todo o mundo se estendem diante da barra e espelhos praticando seus pliés e arabesques e sonhando com cisnes e fadas açucaradas.

E no campo do que é chamado de dança “moderna”, estamos em uma área onde praticamente tudo se passa. Ballet, jazz, burlesque, mímica, ginástica, acrobacias, tudo está sendo combinado em um estilo grande, amplo e expressivo. Mesmo os movimentos que você poderia antes ter visto apenas de dançarinos “exóticos” de boates, você verá agora no palco, embora às vezes pareça ir um pouco longe demais.

E assim como mazurkas e dança Morris e outras danças da gente comum às vezes entraram no ballet erudito, a dança moderna hoje empresta pedaços de todos os tipos de formas populares de danças, de mambos a mosh pits para a linha da dança country ocidental.

Na verdade, não é realmente muito difícil ver a conexão entre dança moderna e os padrões de piso rígidos e formais que dançaram na corte francesa do século XVI. Engraçado como tudo se conecta! E com isso, você pode dizer, o mundo do ballet e da dança chegou ao círculo completo.

 

É isso por hoje, bailarinos e bailarinas! Espero que tenham gostado de ler essas curiosidades tanto quanto eu gostei de ler o livro!!!

Comentem aqui em baixo o que vcs mais gostaram de saber!

Até o próximo post!!!